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Departamento de Artes escénicas
Danza, Historia y teoría teatral, Teatro y Música

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Ficha técnica
Interpretación: María Kuhmichel, Diego Rosental. Creación: Jimena Pérez Salerno, Roberta Blazquez Caló, Andrés Molina, Diego Rosental. Diseño de iluminación: Sebastián Francia. Diseño gráfico: Leandro Ibarra
Música: Daniel Bugallo. Dramaturgista: Aldana Cal. Colaboración artística: Eugenia Foguel. Asistencia general: Sofía Etcheverry. Asistencia de dirección: Andrés Molina, Roberta Blazquez Caló. Idea y Dirección General: Diego Rosental.

Diego Rosental se formó como actor, bailarín, músico y acróbata. Trabajó con directores y coreógrafos como Ciro Zorzoli (Estado de Ira, Símil Piel), Ana Frenkel (Pura Cepa, Hacia el Fin), Celia Arguello Rena (Villa Arguello), Diego Velázquez y Eugenia Estévez (Hemos abandonado nuestra carrera de campeones), Andrés Molina (Categoría Mosquitos), Mayra Bonard (Grandes Amigos), Frenkel, Casella, Cúparo (Corazón Idiota), Maruja Bustamante (América Latina), Analía Fedra García (Mucha Felicidades). Integró la compañía De la Guarda en su espectáculo “Villa Villa”.

Teatro
La débil mental, de Ariana Harwicz - dir.: Paula Herrera Nóbile
Miércoles a las 21.30 hs
Continúa en noviembre
Entrada: $150
Sala Biblioteca
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

La pieza se realiza en el marco de Proyecto Familia*

La débil mental es una versión escénica de la novela de Ariana Harwicz. Una madre y una hija, en un pueblo alejado de todo, se libran a una vida bestial sin testigos. Se espían, se odian, se adoran. Una le dobla la edad a la otra, pero son parecidas: chanchas promiscuas que aluden al sexo como lenguaje entre trincheras. En una zona liberada de esta guerra se trenzan en el barro para parirse. Este monólogo, que podría ser un diálogo, que podría ser un grito, tiene la conciencia febril de una borrachera. La una depende de la otra en este círculo de fuego y destrucción mutua, en este círculo de amor. Porque esta es una historia de amor, donde el abrazo vale lo que una puñalada y la sangre es veneno nutriente. La única salida, impúdica solución a este tormento, parecería ser Él: ese hombre redentor y salvador, que las posee en un acto simultáneo.

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Ficha técnica
Intérpretes: Fiamma Carranza Macchi, Paula Herrera Nóbile, Fernando Sala Conill/Pato Brest/Amadeo Monzani. Autora: Ariana Harwicz. Adaptación: Paula Herrera Nóbile. Músicos: Ezequiel Tarica, Nicolás Boccanera. Iluminación: Jésica Montes De Oca. Videos: Edwin Muñiz Marrero. Coreografía: Fiorella Álvarez Vleminchx. Dirección de arte: Pato Brest, Paula Herrera Nóbile. Asistentes de escena: Catalina Derecho, Maria Garona, Amadeo Monzani. Diseño gráfico: Tomás Würschmidt. Asistencia de dirección: Marti Tombetta. Dirección general: Paula Herrera Nóbile.

Paula Herrera Nóbile es artista visual, performer, directora, investigadora y docente. En Espacio Granate, su lugar-estudio desde 2008, desarrolla su trabajo, focalizado en los procesos, las personas y sus relaciones, los cuerpos y sus afectados. Realizó performances, muestras y conferencias en Tokio, Buenos Aires, Miami, NY, San Juan de Puerto Rico, Santa María (Brasil). Llevó a las tablas más de diez piezas escénicas de su autoría y participó en festivales nacionales e internacionales. Formada en las artes escénicas con Augusto Fernández, Julio Chávez, Rubén Szuchmacher, Pompeyo Audivert. Llevó a cabo clínica de obra con Fabiana Barreda y Andrés Labaké y estudió fotografía con Filiberto Mugnani.

*PROYECTO FAMILIAclo que reflexiona sobre la familia en las artes y la comunidad a través de obras, películas, performances e instancias diversas para encontrarse, comunicarse, aceptarse y descubrirse.






Ciclo Maestras Segunda Edición
Maestras visuales (Entrevistas en vivo)

Jueves de octubre a las 20 hs
Auditorio Abuelas Plaza de Mayo
Entrada gratuita

Intento por (re)construir la genealogía de las mujeres que formaron a generaciones de artistas visuales y escenógrafas en Buenos Aires.

"Maestras visuales" propone un recorrido y difusión de la obra artística y pedagógica, el intercambio docente-estudiantes y la formación artística, la ideología, el arte, la política, la construcción del conocimiento y la poesía, a partir de entrevistas en vivo. Incluye un epílogo poético, en el que unx artista y/o discípule realiza una intervención de diálogo con la Maestra entrevistada y su obra.

En el marco del inicio de la segunda edición del ciclo, la Galería de arte del Rojas, acompaña la propuesta con obras, bocetos, textos y material de archivo relacionado a la actividad docente y artística de las Maestras invitadas.

Luego de la presencia de Oria Puppo, Diana Aisenberg y Renata Schussheim en el mes de agosto y de Marina De Caro, Maiamar Abrodos, Silvia Gurfein y Gabriela Aurora Fernández en septiembre, las siguientes invitadas son:

Jueves 3 de octubre: Monica Girón
Jueves 10 de octubre: Mariana Tirantte
Jueves 17 de octubre: Cecilia Zuvialde
Jueves 24 de octubre: Alicia Leloutre
Jueves 31 de octubre: Ana Gallardo
Entrevistadoras: Maruja Bustamante, Cecilia Closa, Marina Daiez, Marina Jurberg.

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Mónica Girón. Artista visual y maestra formada en diversas instituciones y maestrxs a nivel nacional e internacional. Realizó residencias artísticas y recibió gran cantidad de premios y distinciones, expuso sus obras en museos, galerías y espacios culturales tanto en exposiciones colectivas como individuales. Realizó la publicación de los libros Mónica Girón y Modelo de ejercicios terrestres, además de una gran cantidad de ensayos. Es creadora de Formar, el nombre con que denomina la variedad de talleres que dirige desde 1991 en el campo del arte contemporáneo. Sus talleres y ejercicios se especializan en la enseñanza para artistas, curadores y espectadores.

Mariana Tirantte. Escenógrafa, vestuarista formada en la Cárcova. Desde hace más de 20 años trabaja con diversxs directorxs y compañías de teatro y danza, habiendo realizado más de 90 obras. Entre lxs artistas con quienes trabajó en colaboración se destacan: Mariano Pensotti, Beatriz Catani, Pablo Messiez, Claudio Tolcachir, Pablo Rotemberg, Lisandro Rodríguez, Lucía Panno, Agostina López, Ariel Farace, Matías Feldman, Diana Szeimblum, Carlos Casella, Hugo Urquijo, Diego Starosta, El Grupo Krapp, entre otros. Presentó sus trabajos a nivel nacional e internacional. Estuvo a cargo de la dirección técnica de dos ediciones del Festival Internacional de Buenos Aires, así como de la producción general y técnica de distintos festivales y eventos culturales, entre los que se destacan Ciudades Paralelas, Tintas Frescas, Verano Porteño Kónex, Estudio Abierto, entre otros.

Cecilia Zuvialde. Escenógrafa, vestuarista y maestra. Recibió diversos premios y distinciones por su trabajo en colaboración con diversxs artistas en más de 120 espectáculos. Entre ellxs se destacan Ariel Farace, Héctor Levy-Daniel, Santiago Loza, Luis Loyola Cano, Gonzalo de María, Matías Feldman, Gonzálo Martínez, entre otrxs. Como maestra, se desempeñó en el dictado de clases de Escenografía, Vestuario e Iluminación en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y la materia Ambientación e Indumentaria en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD).

Alicia Leloutre. Artista plástica, arquitecta y escenógrafa formada en diversas disciplinas con grandes maestros como Ana Alvarado, Daniel Veronese, Robert Wilson, Peter Brook. Realizó diversos trabajos de arquitectura y artes plásticas, así como desde hace más de 30 años ha realizado más de 90 espectáculos en colaboración con diversxs artistas de amplia trayectoria, entre quienes se encuentran Alejandro Tantanián, Raúl Mereñuk, Alejandro Maci, Gabriela Izcovich, Javier Daulte, Romina Paula, Mariana Chaud, Matías Feldman, Gabriela Prado, Silvina Grinberg.

Marina De Caro. Artista visual y maestra de extensa y vasta trayectoria. Realizó diversas performances y exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales en museos, galerías y espacios culturales. Llevó adelante la coordinación del Proyecto Trama -un programa de cooperación y confrontación entre artistas del 2001 al 2005-, el desarrollo del Proyecto pedagógico Artistas en Disponibilidad. La educación como un espacio para el desarrollo de la micrópolis experimentales en la Bienal del Mercosur, así como el diseño del programa educativo El laberinto de los sentidos para el Museo de Arte Moderno de BA. Recibió el premio Konex y en 2017 estrenó El Universo en un hilo. Ópera en tres cuadros y dos intermedios en el Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata.
 
Maiamar Abrodos. Escenógrafa, vestuarista y maestra formada en la EMAD, USal, la Cárcova y con diversxs maestrxs, además de otras disciplinas como canto, entrenamiento físico, actuación, dramaturgia, teatro callejero. Participó en más de 50 obras como actriz, escenógrafa, vestuarista, diseñadora y asesora estética y recibió premios por sus participaciones. Es docente de escenografía en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), donde dirige la carrera de Escenografía, así como en la Universidad Nacional de las Artes (UNA).
 
Silvia Gurfein. Artista y maestra multidisciplinaria, formada en filosofía y artes escénicas y de forma autodidacta en pintura. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en diferentes museos, galerías y espacios culturales nacionales e internacionales. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales. Recibió por su trabajo numerosos premios y becas. Fue docente en la UBA y en 2010 creó El texto de la obra, taller de escritura para artistas que dicta en distintas instituciones y de modo privado, de gran trascendencia en la formación de artistas contemporáneos.
 
Gabriela Aurora Fernández. Escenógrafa, vestuarista, artista visual y maestra. Realizó estudios en la UBA y se formó en diversas disciplinas con diferentes maestros entre los que se encuentran Gastón Breyer, Victor de Pilla, Hector Calmet, Mauricio Kartun, Sergio Bazán, Ricardo Bartís, Guillermo Angelelli, Pompeyo Audivert, Rubén Szuchmacher. Colaboró en más de 100 obras con diversxs artistas de amplia trayectoria en el campo de las artes escénicas y expuso en muestras colectivas e individuales. Por su labor recibió gran cantidad de becas, premios y distinciones.

Oria Puppo.
Escenógrafa, vestuarista y maestra de gran trayectoria que realizó más de 70 obras en colaboración con grandes directores y directoras reconocidxs, entre quienes se encuentran Roberto Villanueva, Ciro Zorzoli, Luciano Suardi, Diego Kogan, Lauren Berger, entre otrxs tanto en Buenos Aires como en diferentes ciudades de Francia, España y Alemania. Recibió numerosos premios por su recorrido artístico y estuvo a cargo de la dirección técnica del Festival Internacional de Buenos Aires en cuatro ediciones, así como para la creación del Tierno Bokar, dirigido por Peter Brook, tanto en su estreno en Francia como en su gira europea. Realizó exposiciones individuales y es también es destacable su actividad docente en el CCRRRojas, el Teatro General San Martín, UP, Universidad Barilan, así como en el ámbito privado.

Diana Aisenberg. Artista visual y maestra de numerosxs artistas de vasta trayectoria. Escribió gran cantidad de textos e impartió innumerables charlas abiertas, conferencias y ponencias. Se formó en Bezalel Art an Design Academy y en la Escuela para Maestros de Arte de Ramat Asharon en Israel, así como en Magisterio en Buenos Aires. Desde hace más de 30 años coordina grupos para el análisis de obra en Buenos Aires y en el interior del País. Dicta talleres y coordina clínicas de obra en Buenos Aires y en diversos puntos del país y del exterior. Recibió diversos premios por su trayectoria docente y artística, coordinó el Área de Artes Plásticas del Centro Cultural Ricardo Rojas, rol desde el que fomentó la edición de diversos libros sobre artistas visuales argentinxs. Es autora de dos obras de gran influencia: Historias del Arte. Diccionario de Certezas e Intuiciones, (parte de una construcción colectiva que recibió premios y fue editado en cinco versiones y diversas editoriales) y MDA, Apuntes para un aprendizaje del arte, que reúne un recorrido por su forma de trabajo como formadora de artistas.

Renata Schussheim. Artista visual, escenógrafa, vestuarista, diseñadora e ilustradora de reconocidísima trayectoria en las artes escénicas. Realizó más de 80 obras en colaboración con grandes directores y directoras así como artistas de diversas disciplinas, tanto en la Argentina como en el exterior, para teatro, ópera y música. Trabajó junto a Andrew Lloyd Webber, Tim Rice, Enrique Pinti, Charly García, Spinetta, Walter Giardino, Federico Moura, entre otros. Recibió a lo largo de su carrera una gran cantidad de premios y reconocimientos y realizó diversas muestras de sus trabajos en diferentes espacios.


Danza Sub 30 Edición 2019
Orlandia, de Abril Lis Varela
Jueves de octubre a las 21 hs
Continúa en noviembre
Sala Cancha
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

El ciclo "Danza Sub-30" ofrece propuestas de danza contemporánea desarrolladas por coreógrafos de hasta 30 años.

En 1928 Virginia Woolf escribe la falsa biografía de Orlando, un noble de la corte de Inglaterra que vive casi cuatrocientos años, parte de ellos como hombre y parte como mujer. En 1992 Sally Potter lleva al cine esta historia y Orlando nos mira directamente a los ojos por primera vez. En 2019 traemos a Orlando a la escena, para interrogarlx a través del tiempo.

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Ficha técnica
En escena: María Belén García, Emmanuel Palavecino, Florencia Macché, Mercedes Ferrari, Braian Bre, Abril Lis Varela. Diseño de vestuario y escenografía: Valeria Nesis, Abril Lis Varela. Confección de vestuario: Valeria Nesis y Eliana Flores Amador. Edición musical y música original: Julian Tenembaum. Voz en "Oh sí, mi lady": Camila Puelma Wright. Diseño de iluminación: Julio Alejandro López. Asistencia general: Agustín Zavalla. Asistencia de dirección: Javier Crespo. Dirección: Abril Lis Varela.

Abril Lis Varela es bailarina, directora y docente en artes del movimiento. Estudia en la Lic. en Composición Coreográfica en UNA y se forma de manera independiente en danza contemporánea, teatro y clown. Integró la Compañía de Danza de la UNA -donde trabajó con reconodidxs coreógrafxs- y grupos independientes. Participó como co-directora e intérprete en "Las Ganas", producida con el apoyo del CC Rojas en 2015, con la que participó en festivales en Argentina y Latinoamérica y fue seleccionada mejor obra de danza en FAUNA 2017. Luego en "Casa Kynodontas", producida con el apoyo del CC Recoleta en 2017 y Prodanza en 2018.




Rastros, danza aérea y contemporánea
de Ana Armas
Viernes de octubre a las 20 hs
Sala cancha
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

RASTROS es el resultado de una investigación en danza aérea y contemporánea sobre aquello que deja huella, marca. ¿Cómo es posible dejar rastros de lo bailado?

La obra indaga sobre el paso del tiempo, lo que perdura en la memoria y en la memoria del cuerpo. Sobre lo repetitivo e infiel del recuerdo. Sobre las marcas que deja el encuentro con el otro.

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Ficha técnica
Compañía: ABISMO DANZA. Intérpretes: Amanda Berrueco,  Rodrigo Calvete, Milagros Coll, Agustina Corsetti,  Gastón Santos, Lucila Shmidt. Técnico en seguridad aérea: Sergio Costa Centeno. Diseño y realización de vestuario: Sara Bande. Diseño de luces: Agnese Lozupone. Música: PROGRAMA – The XX - Thomas Bangalter - Four Tet. Edición Musical: José Ríos. Asistente de dirección: Julieta Vázquez. Asistente de producción: Cintia Sola. Producción: ABISMO DANZA. Idea y dirección: Ana Armas.

Ana Armas es bailarina, creadora de danza y Lic. en Psicología. Egresada de la Escuela Municipal de Danzas de Rosario y del Taller de Danza contemporánea del Teatro San Martín de Bs. As. En 2003/4 recibió la Beca Antorchas para perfeccionamiento en danza. Perteneció a la Cía. de Danza Aérea de Brenda Angiel. Trabajó con reconocidos coreógrafos nacionales y del exterior. Desde 2011 dirige la compañía y escuela de danza aérea y contemporánea ABISMO DANZA.

Esta obra cuenta con el apoyo de Prodanza.
Fue ganadora del subsidio para montaje de obra para cooperativas de danza del Fondo Nacional de la Danza 2017. 
Fue nominada por los Premios Teatro del Mundo XXa. Edición como Trabajo Destacado en la categoría de COREOGRAFIA, DIRECCION COREOGRÁFICA.


Danza Sub 30 Edición 2019
La pieza más pequeña, de Mercedes Ferrari + Petrificada, de Araceli Marquez
Viernes a las 21.30 hs
Continúa en noviembre
Sala Biblioteca
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

El ciclo "Danza Sub-30" ofrece propuestas de danza contemporánea desarrolladas por coreógrafos de hasta 30 años.

La pieza más pequeña

El despliegue de una baldía ocupación y un cuerpo que acciona por necesidad y encuentra placer en la concreción de sus tareas, mientras se lanza desesperadamente sobre los objetos y se deforma en el afán de dar lugar a sus impulsos.

Esta obra pone en escena la obsesión de una tarea sin sentido donde se reincide inevitablemente en el diseño del dónde, el cuándo, el cuánto y el cómo.

Petrificada

En un mundo donde florece el desamor, la violencia, las guerras, etc., los sentimientos se petrifican. Así, los cuerpos se convierten en piedra.

La obra propone una experimentación con la escena, la temporalidad y la atención del público. Con un cuerpo tomado, dos objetos pequeños y desde una simplicidad en el relato que se desarrolla, busca generar un estado profundo y un cuerpo preciso.

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La Pieza más Pequeña - Ficha técnica
En escena: Mercedes Ferrari. Asistencia de dirección: Noelia Meilerman y Lourdes Elías. Asistencia de producción: Julieta Romano. Diseño sonoro en vivo: Nico Cro. Diseño de vestuario y escenografía: Valeria Nesis, Mercedes Ferrari. Diseño de iluminación: Paula Fraga. Idea y dirección: Mercedes Ferrari.

Mercedes Ferrari es bailarina e investigadora. Se recibió de Profesora de Danza y estudió Composición Coreográfica en la UNA. Integró la Compañía de Danza de la UNA y realizó una pasantía en la Compañía de Jean Claude Galotta.  Se formó de manera independiente con Eugenia Estévez, Roxana Galand, Lucas Condró, David Zambrano, Thomas Hauert y Julyen Hamilton. Participó del Proyecto Integro Dance Beyond en Tailandia becada por el Ministerio de Cultura de Nación.

Petrificada - Ficha técnica
Creación e interpretación: Araceli Márquez

Araceli Marquez es bailarina, coreógrafa y docente de danza y teatro físico. Estudió Tecnicatura y profesorado de danza contemporánea y expresión corporal en Bahía Blanca. Se formó de manera independiente en composición, teatro y teatro físico. Integró diversos grupos independientes de creación.  En 2017 Recibió el Fondo Municipal de las Artes. Gestiona el Festival de Danza Contemporánea Bahía Danza junto a artistas independientes de la misma ciudad.


Teatro
Los pájaros, con Marcelo Subiotto. Dir.: Juan Ignacio González
Dramaturgia: Juan Ignacio González e Ignacio Torres 
Sábados 5, 19 y 26 de octubre a las 20.30 hs
Continúa en noviembre
Sala Batato Barea
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

Aldo es artesano. Hace pájaros de madera. Pájaros dentro de frascos. Frascos en una mochila. Viaja en moto. Se pone el casco y sus pensamientos se disparan uno detrás del otro: un nombre, una sombra que se transforma, un árbol en llamas. Aldo está viajando hacia la virgen, hacia el salar, hacia el blanco absoluto.

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Ficha técnica
Actor: Marcelo Subiotto. Música en vivo: Clara Maydana. Escenografía: Julieta Potenze. Iluminación: Lucía Feijoo. Vestuario: Nadia Sandrone. Composición musical: Clara Maydana  - Alfredo García. Diseño sonoro: Jorge Lagos - Alfredo García. Diseño gráfico: Sergio Calvo. Fotografía: Federico Pérez Gelardi. Colaboración artística: Sergio Calvo - Marcelo Subiotto. Asistencia de dirección: Alejandra Bueses. Dramaturgia: Juan Ignacio González e Ignacio Torres. Producción: Zoilo Garcés. Dirección: Juan Ignacio González.

Marcelo Subiotto estudió en la Escuela Municipal Arte Dramático de Buenos Aires y en el Conservatorio Manuel de Falla de Música. En el 2002 fundó el teatro "Puerta Roja" y creó la compañía "Colectivo teatral Puerta Roja", con el que estrenó más de quince espectáculos durante los años 2002 y 2012. En teatro participó en más de cuarenta obras, tanto en el circuito off, como en teatros oficiales (Complejo Teatral de Buenos Aires y Teatro Nacional Cervantes), Participó en varios festivales internacionales (Alemania, España, Inglaterra, Francia, Noruega, Suiza, Italia, Rusia, Corea, México, Brasil, Chile, Colombia, Estados Unidos). Participó en series televisivas y en variedad de largometrajes del ámbito cinematográfico.

Juan Ignacio González es egresado de la Escuela metropolitana de arte dramático (EMAD). "Los pájaros" es la tercera obra que va a dirigir, escrita en coautoría con Ignacio Torres, como las dos anteriores. Dirigió "Ocaso", en el teatro Beckett y luego en "El método Kairos" - seleccionada para la fiesta Caba del INT 2019-.  Su primera dirección "Con el mar tal vez un poco" se realizó en el Abasto Social Club (2015/2016) y ganó el tercer lugar en el concurso de obras inéditas del Fondo Nacional de las Artes. Publicó "En reposeras descalzos" en la editorial Zindo & Gafuri. Prepara su primer trabajo en narrativa y su segundo de poesía. Forma parte de la agrupación musical "Los aviones van". Co-dirigió "El Refugio" en espacio Café Müller. Se formó con Ciro Zorzoli, Guillermo Cacace y Claudio Quinteros. Participó en obras de Federico León, Amparo González, Pablo Lugones, Julieta Abriola, Guillermo Cacace. Dicta talleres de escritura y lectura en el ámbito de la educación pública.

















EscenaLab Rojas
Loca Orquesta de Tablets

Sábado 5 de octubre a las 15 y 16.30 hs
Auditorio Abuelas Plaza de Mayo
Entrada gratuita con inscripción previa. Para anotarte hacé clic en el formulario online

Loca orquesta de tablets es una oportunidad para que chicos y grandes musicalicen una película sin necesidad de saber tocar instrumentos. ¿Cómo? Mediante aplicaciones musicales intuitivas instaladas en tablets y guiados por un director. Esta experiencia transforma en herramientas de creación artística la tecnología que tenemos cerca y enriquece nuestra forma de usarla. También es un espacio para divertirse y sumarse a una construcción colectiva. 

¡Cada mes podés venir al Rojas a crear tu propia banda sonora! 

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- Duración: 1 hora
- No hace falta tener conocimientos musicales previos.
- No hace falta tener una tablet (el taller las proporciona)
- LOT es una actividad para niños (entre 5 y 12 años) acompañados por un adulto.
- Gratis con inscripción previa a través de formulario online, seleccioná la hora.
- ¡Se puede repetir!
- Próxima fecha: sábado 5 de octubre

Ciro Cavalotti Productor artístico y cultural. Músico y compositor. Creador y director del proyecto "Música con Tablets", Co-Director de "1918 Re/ formas 2018" Obra en conjunto de Orquesta UBA + Orquesta de Tablets + Escena Lab del Centro Cultural Rojas. Productor artístico de los conciertos de campanas la ciudad de Buenos Aires (2008-2010-2015) y de Córdoba (1999). Compositor de bandas sonoras para TV, Cine, Apps, compilador del libro "Campanas de Buenos Aires" (Libros del Rojas, 2011). Docente de producción musical. Participante del  documental "la Otra América", Der Spiegel (2014). Elegido como uno de los 10 innovadores del año por el trabajo de "música con Tablets" por el diario La Nación (2018).


EscenaLab Rojas
Laboratorio de Tecnología para las Artes Escénicas, por Ignacio Sánchez

Sábados 5, 19 y 26 de octubre de 17 a 20 hs
Aula SUM
Gratis con inscripción previa
CUPO COMPLETO

Es un laboratorio gratuito de investigación, creación y producción colaborativa para generar o dar forma final a proyectos multidisciplinarios, a través de nuevas herramientas tecnológicas que facilitan el proceso creativo y proponen otras maneras de pensar las obras contemporáneas en escena y exhibición.  

Dirigido a artistas mayores de 18 años que deseen desarrollar obras y proyectos de música, danza, teatro, performances, arte, instalaciones, etc., con alguna formación previa en el campo de la tecnología.

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Los proyectos realizados formarán parte de una exposición en fechas a determinar durante el mes de noviembre en las instalaciones del CCRR Rojas al concluir la cursada.

Ignacio Sánchez es realizador musical, coordinador de proyectos de creación colectiva y docente. Sus campos de investigación son la improvisación sonora conjunta, la atomización de la partitura, el instrumento y la interpretación y el uso y resignificación de la tecnología musical como herramienta y lenguaje.


Óperas Primas 2019
Las cuerdas, de Ana Schimelman

Sábados 5, 19 y 26 de octubre a las 21 hs
Continúa en noviembre
Sala Cancha
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

Micaela y Carla miran el cielo, filman documentales, toman helado. Micaela es adolescente y tiene una psicosis diagnosticada. Carla, su joven acompañante terapéutica, tiene pocas certezas. Las cuerdas es la historia de un vínculo, es la puesta en escena de las estrategias para sobrevivir en este mundo: dos mujeres que viajan de la escuela al espacio exterior.

“La obra narra la historia de un vínculo de alta intimidad, que sin embargo no entra dentro de las categorías de la amistad, la familia, ni el amor romántico. Nos proponemos explorar la relación de dos mujeres jóvenes que atraviesan un proceso de acompañamiento terapéutico. En su devenir se descubrirá que es mucho más lo que une a Micaela y Carla, de lo que en un principio las diferencia. Sus inquietudes acerca de cómo es ser adultas en este mundo, de qué trabajarán, si tendrán hijos o no, son compartidas. Juntas desafían las leyes en nombre del cariño, en esta aventura escénica que las hará traspasar cualquier frontera”.

Ana Schimelman

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Ficha técnica
Intérpretes: Amelia Repetto y Fiamma Carranza Macchi. Diseño y realización de escenografía y vestuario: Cintia Ledesma. Asistencia de escenografía y vestuario: Antonela Fucenecco. Diseño de iluminación: Lucía Feijoó. Diseño de animaciones, ilustraciones y gráfica: Mora Fumberg. Letra y música original: Clara Giustincich. Realización y grabación de música ambiental: Ezequiel Tarica. Fotografía: Catalina Derecho y Paula Schrott. Coreografía: Manuela Estigarribia. Producción: Sonia Stigliano. Asistencia de dirección: Renata Mármora. Dramaturgia y dirección: Ana Schimelman.

Ana Schimelman es dramaturga, directora y actriz. Se formó como actriz en la UNA, en Espacio Granate con Paula Herrera, en Roseti con Juan Coulasso y actualmente en el Sportivo Teatral con Flor Dyszel. En dramaturgia tomó seminarios con Franco Calluso y Juan Dasso, y Mariano Tenconi e Ignacio Bartolone. Dirigió las piezas breves "Hermanas" y "Esto es lo que pasa cuando el público no pide bis", montadas en los ciclos "La Crisis del Salto" y "Ciclo Epistolaris".      

Óperas Primas
El ciclo de Óperas Primas ha dado muchas sorpresas y “descubrió” realizadores y piezas iridiscentes, inquietantes, divertidas, explosivas e íntimas. Muchos de los que pasaron por esta experiencia hoy siguen su camino como hacedores del teatro y se destacan con sus piezas.

El Rojas resalta, hace años, por ser el lugar donde está la oportunidad de empezar, de probar, de fallar y de profundizar. Operas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres
dentro de las artes escénicas.

Maruja Bustamante
Asesora de Artes Escénicas


Oíd Nos en el Rojas
Fiorella 16 (Perú) | Las hijas de Israel (Córdoba) | Guilherme Granado (Brasil) | Tildaflipers
Miércoles 9 y jueves 17 de octubre a las 20 hs
Sala Batato Barea
Entrada gratuita
Podés retirar tus entradas desde dos horas antes del show en Boletería.

Continúa el ciclo de música electroacústica en el Rojas.

El miércoles 9 llega "Fiorella 16" desde Perú: una propuesta que deambula entre el ruido, el lo-fi, el harsh, el dream noise, la psicodelia y el shoegaze. Por su parte, el colectivo "Las hijas de Israel", trabaja el arte sonoro y el cine expandido.

El jueves 17 es el turno de Guilherme Granado, a la vanguardia de los creadores sonoros de espiritismo electrónico en Brasil, y Tildaflipers con su dub derretido.

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Fiorella 16 (Perú) es el proyecto unipersonal de José María Málaga (Arequipa, Perú), que comenzó en octubre del 2003 con grabaciones caseras en cintas. Utiliza guitarras, radios, casiotones y voces, que fueron posteriormente editadas por primera vez en su EP debut “Entra, entras” (2006). Desde entonces continuó su trabajo entre el ruido, el lo-fi, el harsh, el dream noise, la psicodelia y el shoegaze. Actualmente presenta en vivo piezas hechas en base a ecos, distorsiones y feedback que realiza mediante el uso de su voz, instrumentos analógicos y/o software. El proyecto participó de diversos festivales y conciertos en Perú, Bolivia, México, Argentina, Uruguay, Chile y Guatemala.

Las hijas de israel (Catamarca/Córdoba) Colectivo interdisciplinario que aborda el arte sonoro y el cine expandido. Desde 2013 participan con instalaciones, performance e instalaciones performáticas en muestras colectivas en la ciudad de Córdoba. En 2017 fueron seleccionados por el programa Plataforma Futuro dependiente del ministerio de cultura de la nación y desarrollaron una gran pieza colectiva junto a otros artistas locales. Tomaron clínicas y talleres con: Aníbal Buede, Alan Courtis, Marc Behrens, Leonardo di Giusto, Ciro del Barco, Roger Koza. Editaron diez discos en sellos independientes de diversos lugares del mundo. Son gestores/curadores del ciclo Movimiento Sotanico, dedicado a la música experimental. En el año 2017 fueron becados por el fondo nacional de las artes, para desarrollar el ciclo en la ciudad de Córdoba. En la actualidad exploran el desarrollo de la imagen y el sonido en relación con los aspectos y universos íntimos del humanoide.

Guilherme Granado es oriundo de San Pablo, Brasil. Figura valuarte del underground paulista compartió proyectos musicales por una gran variedad de artistas, incluidos Prefuse 73, Naná Vasconcelos, Marcelo Camelo, Brian Jackson, Pharoah Sanders y Exploding Star Orchestra, entre muchos otros. Granado también lanzó tres discos con Bodes y Elefantes, además de muchas de sus variantes como Goatface!, Bode Holofonico, Bode sem Face y es un miembro integral del grupo de rock brasileño Hurtmold y del metro de São Paulo. Lanzó muchos álbumes en solitario: Glaciers of Nice vol. 1 y 2, Transition Hustle, Homeless Loops vol. 1 y 2. A Face do Bode es su primera edición para Priusdiscos.

Tildaflipers es como un dub derretido que recuerda a experimentos rastachamanes de la era de oro del punk/postpunk británico. Collage sonoro y psicodelia ruidista se mezclan en un encuentro donde trascienden las etiquetas. El proyecto cuenta con más de 20 lanzamientos en diferentes formatos y una constante dedicación a las presentaciones en vivo locales como asi también giras en Brasil, Chile, Uruguay y España. Su último álbum “Muaumuau”los llevó de gira a Europa más precisamente a España, Francia, Alemania, Suiza, Holanda y Portugal.


El Mártir
Capítulo 1: Cómo explicar el arte a una liebre muerta en 2059, de Rodrigo Arena

Viernes 11, 18 y 25 de octubre a las 20 hs
Sala Batato Barea
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

Reversión de la performance "Cómo explicar la pintura a una liebre muerta" (J. Beuys, 1965). La Danza ocupa el lugar de La Liebre Muerta, para protagonizar su despedida al Arte Escénico, ante la predicción de su inminente muerte en el año 2059.

Al finalizar tiene lugar un "Intermedio: Procesión, Martirio y Calvario Contemporáneo" (manifiesto artístico) previo al Capítulo 2.
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El Mártir. Capítulo 1: Cómo explicar el arte a una liebre muerta en 2059.
(60 min).

Intermedio: Procesión, Martirio y Calvario Contemporáneo. (30 min)

Elenco: Catalina Lescano, Pablo Daolio, Miguel Valdivieso, Micaela Ghioldi, Catalina Correa, Rocío Covarrubias, Jaro Grillo, Tamara Roca, Victoria Viberti, Lucía Snowy, Eduardo Maggiolo, Gabriela de León Speranza, Rodrigo Rocca, Chocolate Remix, Electrochongo, Armando Ressi, Valentina Camus, Rodrigo Arena. Asistencia general: Miguel Valdivieso y Paola Alejandra Castro.Diseño de luces: Eduardo Maggiolo y Rocío Covarrubias. Diseño de vestuario: Jaro Grillo y Rocío Covarrubias.Participación especial: Solentina.Colaboración en textos: Rodrigo Rocca.Colaboración artística: Gabriela de León Speranza. Música original: Electrochongo. Dirección y autoría: Rodrigo Arena.

Rodrigo Arena es director, creador y performer. Su trabajo artístico consiste en el cuestionamiento de la moral escénica, la exposición polìtica de la vida personal, la práctica de la expresión de una escena disidente. Se desempeña en el campo de la danza, la performance, y la escritura. En 2019 fue invitado a integrar la comitiva argentina de directorxs escénicxs, en el marco del Festival de Avignon (Francia). Dirigió las obras escénicas "Mis días sin Victoria", "Entrevistas frustradas a bailarinas exitosas", "Testimonio Transmasculino", entre otras, y participó en diversos festivales y teatros de reconocimiento internacional.


El Mártir
Capítulo 2: IMQP, de Rodrigo Arena
Viernes 11, 18 y 25 de octubre a las 21.30 hs
Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo
Entrada: $150
Podés comprar tus entradas online en Comunidad Rojas o el mismo día de la función dos horas antes en Boletería.

Reversión de La Odisea. La Danza ocupa el lugar de Odiseo, para protagonizar la vuelta a su hogar, Ítaca, desde donde se organiza para atentar contra la contemporaneidad más pura.

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El Mártir. Capítulo 2: IMQP. (120 min).

Elenco: Catalina Lescano, Pablo Daolio, Miguel Valdivieso, Micaela Ghioldi, Catalina Correa, Rocío Covarrubias, Jaro Grillo, Tamara Roca, Victoria Viberti, Lucía Snowy, Eduardo Maggiolo, Gabriela de León Speranza, Rodrigo Rocca, Chocolate Remix, Electrochongo, Armando Ressi, Valentina Camus, Rodrigo Arena. Asistencia general: Miguel Valdivieso y Paola Alejandra Castro.Diseño de luces: Eduardo Maggiolo y Rocío Covarrubias. Diseño de vestuario: Jaro Grillo y Rocío Covarrubias.Participación especial: Solentina.Colaboración en textos: Rodrigo Rocca.Colaboración artística: Gabriela de León Speranza. Música original: Electrochongo. Dirección y autoría: Rodrigo Arena.

Rodrigo Arena es director, creador y performer. Su trabajo artístico consiste en el cuestionamiento de la moral escénica, la exposición polìtica de la vida personal, la práctica de la expresión de una escena disidente. Se desempeña en el campo de la danza, la performance, y la escritura. En 2019 fue invitado a integrar la comitiva argentina de directorxs escénicxs, en el marco del Festival de Avignon (Francia). Dirigió las obras escénicas "Mis días sin Victoria", "Entrevistas frustradas a bailarinas exitosas", "Testimonio Transmasculino", entre otras, y participó en diversos festivales y teatros de reconocimiento internacional.


Ficha técnica
En escena: María Belén García, Emmanuel Palavecino, Florencia Macché, Mercedes Ferrari, Braian Bre, Abril Lis Varela. Diseño de vestuario y escenografía: Valeria Nesis, Abril Lis Varela. Edición musical y música original: Julian Tenembaum. Voz en "Oh sí, mi lady": Camila Puelma Wright. Diseño de iluminación: Julio Alejandro López. Asistencia general: Agustín Zavalla. Asistencia de dirección: Javier Crespo. Dirección: Abril Lis Varela.

Abril Lis Varela es bailarina, directora y docente en artes del movimiento. Estudia en la Lic. en Composición Coreográfica en UNA y se forma de manera independiente en danza contemporánea, teatro y clown. Integró la Compañía de Danza de la UNA -donde trabajó con reconodidxs coreógrafxs- y grupos independientes. Participó como co-directora e intérprete en "Las Ganas", producida con el apoyo del CC Rojas en 2015, con la que participó en festivales en Argentina y Latinoamérica y fue seleccionada mejor obra de danza en FAUNA 2017. Luego en "Casa Kynodontas", producida con el apoyo del CC Recoleta en 2017 y Prodanza en 2018.



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