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Departamento de Artes escénicas
Danza, Historia y teoría teatral, Teatro y Música

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Reestreno
Acróstico, de Diego Rosental
Martes de octubre y noviembre a las 21 hs
Sala Cancha
Entrada: $130*
Comprá tus entradas online acá o el día de la función dos horas antes en Boletería
*16 de octubre: función con entrada gratuita en el marco del Festival Buenos Aires Danza Contemporánea

Un acróstico es un artificio literario, una forma de jugar con las palabras para hacer que el tiempo pase como si pesara menos. Acróstico es la obra que Diego Rosental se inventa cuando despliega el papel con las letras de su nombre que, desde 1984, guarda en el cajón de su mesa de luz. El manuscrito de aquella composición poética es el aliento que lo anima a crear un nuevo artificio, capaz de recortar el tiempo y componer con sus restos una figura que desteje los hilos del recuerdo.

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Ficha técnica
Interpretación: María Kuhmichel, Diego Rosental. Creación: Jimena Pérez Salerno, Roberta Blazquez Caló, Andrés Molina, Diego Rosental. Diseño de iluminación: Sebastián Francia. Diseño gráfico: Leandro Ibarra
Música: Daniel Bugallo. Dramaturgista: Aldana Cal. Colaboración artística: Eugenia Foguel. Asistencia general: Sofía Etcheverry. Asistencia de dirección: Andrés Molina, Roberta Blazquez Caló. Idea y Dirección General: Diego Rosental.

Diego Rosental se formó como actor, bailarín, músico y acróbata. Trabajó con directores y coreógrafos como Ciro Zorzoli (Estado de Ira, Símil Piel), Ana Frenkel (Pura Cepa, Hacia el Fin), Celia Arguello Rena (Villa Arguello), Diego Velázquez y Eugenia Estévez (Hemos abandonado nuestra carrera de campeones), Andrés Molina (Categoría Mosquitos), Mayra Bonard (Grandes Amigos), Frenkel, Casella, Cúparo (Corazón Idiota), Maruja Bustamante (América Latina), Analía Fedra García (Mucha Felicidades). Integró la compañía De la Guarda en su espectáculo “Villa Villa”.

Fe en las erratas, de Ricky Pashkus
Sábados 6 y 13 de octubre a las 21 hs
Sala Batato Barea
Entrada: $130
Comprá tus entradas online acá o el día de la función dos horas antes en Boletería

Un mundo en 2070 es en un lugar donde lo esencial es errar. Lo inusual es acertar y se premian los errores. La mejor nota del colegio es para quien comete errores. El presidente de la Nación es quien más yerra. Todo va bien hasta que un chico nace con problemas serios de adaptación: cree en los aciertos. Cuando acierta, nadie le felicita ni le dice que siga acertando. Acertar es buen camino para aprender a errar pero no el verdadero camino. Un día el chico de los aciertos se encuentra con la chica de los errores. Nace el amor. Ahí comienza la aventura.

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Ficha técnica
Dirección: Ricky Pashkus. Coreografia: Marina Svartzman. Dirección Musical: David Monteros. Producción Ejecutiva: Alejandro Zaga-Masri. Asistencia de coreografía: Lucila Tolis. Proyecciones Audiovisuales: Magalí Porchinitto. Asistencia de Dirección: Alicia Staiff. Diseño de luces: Martín Patlis. Elenco: Adrián Ariza, Andy Vega, Cinthia D. Ávalos, Dani Loza, Elba Tonini, Eli Vatt, Francisca Odriosola, Gloria Otero, Inés Olmedo, Iván L. Santillán, Karla Sufi, Sol López Crespo, Verónica Zugasti. Bailarines ARG Baila: Milena Carrizo, Jennifer Muro, Melanie Mernes, Carla Galeano, Lucas González, Facundo González, Nicolás Meza, Gastón Walsh.

Reestreno
Rastros. Danza aérea y contemporánea, de Ana Armas

Miércoles 10 de octubre a las 21 hs
Sala Cancha
Entrada gratuita*
*en el marco del Festival Buenos Aires Danza Contemporánea

RASTROS es el resultado de una investigación en danza aérea y contemporánea sobre aquello que deja huella, marca. ¿Cómo es posible dejar rastros de lo bailado?

La obra indaga sobre el paso del tiempo, lo que perdura en la memoria y en la memoria del cuerpo. Sobre lo repetitivo e infiel del recuerdo. Sobre las marcas que deja el encuentro con el otro.

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Ficha técnica
Compañía: ABISMO DANZA. Intérpretes: Amanda Berrueco,  Rodrigo Calvete,  Agustina Corsetti, Mariela Loza, Gastón Santos, Lucila Shmidt. Técnico en seguridad aérea: Sergio Costa Centeno. Diseño y realización de vestuario: Sara Bande. Diseño de luces: Agnese Lozupone. Música: PROGRAMA – The XX - Thomas Bangalter - Four Tet. Edición Musical: José Ríos. Arte gráfico: Hernán Bermúdez. Asistente de dirección: Julieta Vazquez. Asistente de producción: Cintia Sola. Producción: ABISMO DANZA. Idea y dirección: Ana Armas.

Ana Armas es bailarina, creadora de danza y licenciada en Psicología. Egresada de la Escuela Municipal de Danzas de Rosario y del Taller de Danza contemporánea del Teatro San Martín de Bs. As. En 2003/4 recibió la Beca Antorchas para perfeccionamiento en danza. Perteneció a la Compañía de Danza Aérea de Brenda Angiel. Trabajó con reconocidos coreógrafos nacionales y del exterior. Desde 2011 dirige la compañía y escuela de danza aérea y contemporánea ABISMO DANZA.

ABISMO DANZA es un proyecto destinado a la enseñanza, investigación y creación en danza aérea y contemporánea con la dirección de Ana Armas. Cuenta con un staff de artistas con amplia formación y experiencia que entrena y trabaja en forma conjunta desde 2011. En sus últimas creaciones trabaja en el cruce de la danza aérea con otras disciplinas artísticas como el teatro, las artes visuales y las artes plásticas. Ha creado la obra “Punto de Fuga” con la que realizó performances en Tecnópolis, para la Secretaría de Cultura de la Nación y para el Gobierno de la ciudad de Bs As en la Usina del Arte.



Esta obra realizó la residencia Laboratorio Prodanza 2016.
Fue ganadora del subsidio para montaje de obra para cooperativas de danza del Fondo Nacional de la Danza 2017. (debe agregarse en logo FNA)
Fue nominada por los Premios Teatro del Mundo XXa. Edición como Trabajo Destacado en la categoría de Coreografía, Dirección coreográfica.

Danza Sub-30 2018
Registro (o cómo aniquilar un proceso), de Julián Ignacio Toledo

Sábados de octubre a las 21.30 hs
Sala Cancha
Entrada: $130
Comprá tus entradas online acá o el día de la función dos horas antes en Boletería
Importante: Informamos a los espectadores que en una parte de la pieza se utiliza luz estroboscopica.

Registro (o ensayos sobre cómo aniquilar un proceso) es la búsqueda permanente del límite para poder sostenerlo. Es mantener el estado físico en tensión con elementos coreográficos en constante repetición. Exploración de material reciclado que será resignificado y la posibilidad de una búsqueda redireccionada en otro momento y en otro lugar.

Registro es también sobreproducción de secuencias: movimientos vacíos que subrayan pulsiones únicas, individualidades.

Es la adaptación en los procesos vitales, es el paso del tiempo que erosiona al cuerpo.
Registro es cansancio como concepto, tonicidad como recurso y resistencia como necesidad.
Registro es abstracción de material continuo, es estado físico en su máxima expresión.
Homeostasis pura. Registro es neto.

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Ficha técnica
Intérpretes: Matías Scamperti, Federico Cáceres Iglesias, Juan Pedro Carrere, Elizabeth Moglia, Lucía Perdigón. Selección musical: Bachar Mar-Kaliffe, The Chemical Brothers, Tomaso Albinoni. Edición musical: Curly Howard
Diseño y realización de vestuario: Loreley Portas. Fotografía: Frecia Chirinos. Iluminación: Gisela Marchetti. Asistencia de dirección: Melina Giambastiani. Coreografía y dirección: Julián Ignacio Toledo.

Julián Ignacio Toledo es intérprete, coreógrafo y director. Inició sus estudios en el Teatro El Círculo (Rosario). Es ganador de la beca PI de la Fundación Julio Bocca en el año 2013 y egresado del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín (2017). Se formó en distintas técnicas contemporáneas y exploró distintos lenguajes de movimiento. En 2014 fue invitado como coreógrafo por Oscar Aráiz, para presentar su ópera prima "Síntoma" en el Centro Cultural Carlos Gardel. Participó en el montaje coreográfico para el "OperaFest" (2015) Teatro Coliseo, con música de  Shostakovich (Lady Macbeth) y Léo Delibes (Lakmé).
Ganó el concurso Jóvenes Coreógrafos Ana Itelman de la Fundación Julio Bocca con la obra “SemiPresencial”, que también participó en La noche de la danza 2017.

Sobre Danza Sub – 30 Edición 2018
Ofrece las propuestas de danza contemporánea desarrolladas por coreógrafos menores de 30 años. En la edición de 2018 se seleccionaron las propuestas de Julián Ignacio Toledo, Belén Coluccio, Matías Rebossio y Mishquila Bailone Bringas – Paulo Zogbe.

“¿Cuál es ese momento inicial en que una persona se decide a dejar su marca en un cuerpo ajeno, a pasar su movimiento, su pensamiento, a darle una imagen y compartir una necesidad y un entusiasmo? ¿Y cuál es, también, ese momento en que alguien decide que puede seguir o buscar una idea con otro, en el camino casi siempre oscuro y vericuético que significa crear una obra de danza? Ese momento, ese salto sin retorno nos convierte en algo que se irá definiendo de a poco. Ser coreógrafo es una elección que se despliega en un largo camino de búsquedas, de aciertos y desatinos donde no hay recetas ni fórmulas. Una pura intuición, un puro despertar".

Alejandro Cervera
Asesor del Área de Artes Escénicas

Imprenteros, de Lorena Vega
Martes de octubre y noviembre a las 20 hs
Sala Batato Barea
Entrada: $100

Comprá tus entradas online acá o el día de la función dos horas antes en Boletería

La pieza se realiza en el marco de PROYECTO FAMILIA*.

Impulsada por Maruja Bustamante y su invitación me aventuro a poner en escena uno de los mundos de los que provengo, la industria gráfica. Mi abuelo imprentero, mi padre imprentero, mis hermanos imprenteros. Todos crecimos entre resmas de papeles, olor a tinta y sonidos de máquinas. Hoy no puedo regresar a lo que queda de la imprenta de mi padre, y es entonces en el espacio escénico donde busco las formas de recorrerlo nuevamente. Y así ir descubriendo los puentes tendidos entre un oficio y el otro. El de imprimir y el de actuar.

Lorena Vega

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Ficha técnica
Elenco: Sergio Vega, Federico Vega, Lorena Vega, Julieta Brito, Juan Pablo Garaventa, Lucas Crespi, Federico Liss, Viviana Vázquez, Vanesa Maja y Mariano Sayavedra. Espacio: M. Celeste Etcheverry. Vestuario: Julieta Harca. Iluminación: Ricardo Sica. Sonido y Música original: Andrés Buchbinder. Fotografía: César Capasso. Colaboración en movimiento: Margarita Molfino. Asistentes: Fabiana Brandán  y Santiago Kuster. Colaboración Artística: Damiana Poggi. Dramaturgia y dirección: Lorena Vega.

Lorena Vega es actriz, profesora de teatro y directora. Actúa desde los 16 años. Realizó numerosas obras con directores y equipos de artistas referentes de las propuestas teatrales más interesantes de la escena local. Entre ellas se destacan: "Yo, Encarnación Ezcurra" (dir. Andrés Bazzalo), "Todo tendría sentido si no existiera la muerte" (dir. Mariano Tenconi Blanco) y "Salomé de chacra", de Mauricio Kartun. Premiada y nominada en numerosas ocasiones, recibió el Premio ACE 2016-2017, como Actriz para pieza de un solo personaje por "Yo, Encarnación Ezcurra". Fue recientemente nominada como Actriz de Teatro Alternativo por "Todo tendría sentido si no existiera la muerte".


*Sobre PROYECTO FAMILIA reflexiona acerca de la familia en las artes y la comunidad. ¿Qué familia tengo? ¿Qué familia elijo? ¿Qué familia quiero? ¿Qué familia es posible en el tercer milenio? Obras, películas, performances e instancias de reflexión para encontrarse, comunicarse, aceptarse y descubrirse.

Óperas Primas 2018
Cyan, de Pilar Fridman

Viernes de octubre y noviembre a las 20.30 hs
Sala Cancha
Entrada: $130
Importante: el viernes 30 de noviembre no hay función.
Comprá tus entradas online acá o el día de la función dos horas antes en Boletería

Bruno y María viven en casa de sus padres fallecidos. Audri y Edward, son sus vecinos. ¿Quién es Frank  y que lugar irá ocupando entre ellos?

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Ficha técnica
Intérpretes: Débora Nishimoto, Daniel Surasky, Santiago Scauso, Franco De la Puente y Pilar Fridman. Producción: Sonia Stigliano. Vestuario: Malena Carminio. Fotografía: Santiago Tauzin. Diseño de escenografía: Miranda Pauls. Diseño de luces: Facundo David. Diseño de subtítulos y flyer: Tirco Matute. Dirección de actores: Guillermina Pico. Asistencia de dirección: Delfina Braun y Ernestina Gatti. Dramaturgia y Dirección: Pilar Fridman.

Pilar Fridman tiene 24 años. Se formó como actriz con Nora Moseinco y Cristina Banegas. Estudió artes combinadas en la UBA y dramaturgia en los talleres de Romina Paula, Virginia Cossin y Iosi Havilio. Actualmente cursa la licenciatura de actuación en la UNA de Artes Dramáticas. Escribió e interpretó tres unipersonales dentro del ciclo UNOS dirigido por Nano Zyssholtz. “Cyan” es su primera experiencia como directora.

Sobre Óperas Primas
El ciclo de Operas Primas ha dado muchas sorpresas y “descubrió” realizadores y piezas iridiscentes, inquietantes, divertidas, explosivas e íntimas. Muchos de los que pasaron por esta experiencia hoy siguen su camino como hacedores del teatro y se destacan con sus piezas.

El Rojas resalta, hace años, por ser el lugar donde está la oportunidad de empezar, de probar, de fallar y de profundizar. Operas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas.

Maruja Bustamante
Asesora de Artes Escénicas


Danza Sub-30 2018
Programa compartido: FRENTA, de Belén Coluccio + NEÓNABIERTO, de Matías Rebossio
Jueves de octubre y noviembre a las 21 hs ¡Nuevo horario!
Sala Cancha
Entrada: $130
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FRENTA
Un día llegué, llegamos y estaba ahí, tirada, con la boca a la misma altura que el ano. Incomodaba, pero no era exactamente un desastre. Al rato, se levantó y ahí sí: sedujo y compartió, sobornó y se dejó ayudar y todo, todo lo que un cuerpo hace.

NEÓNABIERTO
Los cuerpxs y objetos que arman la escena, al tiempo que se entienden capaces de habitar su fisicalidad, moldeada en función de un sistema, son la explosión y lo sensible. Se trabaja en construcciones que nos representen y en la exploración, abordando otros estados y discursos del esqueleto esclavo que rompe la norma, habita lo sensible y encarna el líquido que da espesura y moldea accionares fronterizos de la danza como lenguaje.

Neónabierto investiga las posibilidades de comprensión desde el plano físico, algunos conceptos relacionados con la escultura, que desarrollan el estudio de la espacialidad, según el modo de intervenir la materia y la producción de formas a través de este entendimiento. La obra cuenta con una iluminación que proviene de la misma escena, inaugurando posibilidades del espacio y la creación del imaginario.

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FRENTA Ficha técnica
Asistencia de creación y dirección: Dafnne Rojas Mansilla. Luces: Matías Miranda. Música y diseño sonoro: Andi García Strauss y Melina Moguilevsky.Fotografía: Kenny Lemes. Colaboración: Alejandro Catalán. Participación en foto grupal: Lucas Martinelli, Roberto Coluccio, Julieta Romano, Sergio Venturini, Sarahí Echeverría C., Denise Pieniazek, Matías Miranda, Líbera Woszezenczuk, Leonel Caliguri, Gabriel Moretti y Patricia Rivero. Dirección e interpretación: Belén Coluccio.

Belén Coluccio nació en 1989 en Buenos Aires. Es intérprete física. Estudió Historia del Arte en la UBA. Integró proyectos de creación colectiva, cooperativismo y autogestión, entre ellos, la organización social El Transformador de Haedo. “La intemperie de las cosas” es su ópera prima junto a Andi García Strauss y Matías Miranda, en coproducción con el Teatro del Perro. “Frenta” es su segunda obra.

NEÓNABIERTO Ficha técnica
Dirección: Matías Rebossio. Intérpretes: Saira Naime De luca y Gerardo Merlo. Música: Joaquín Muriel. Fotografía/imagen/lumínica: Matías Rebossio.

Matías Rebossio nació en 1993 en Rafaela. Cursa el tercer año de la licenciatura de artes escénicas con focalización en danza de la Universidad Nacional de San Martín y se forma en la investigación escénica en distintos espacios. Forma parte como intérprete en obras de otros coreógrafos tanto como trabajos de su autoría o compartidos. Anteriormente cursó una carrera docente en artes visuales donde comienza su investigación acerca del cuerpo y sus representaciones.

Sobre Danza Sub – 30 Edición 2018
El ciclo “Danza Sub-30” ofrece las propuestas de danza contemporánea desarrolladas por coreógrafos menores de 30 años. En la edición de 2018 se seleccionaron las propuestas de Julián Ignacio Toledo, Belén Coluccio, Matías Rebossio y Mishquila Bailone Bringas – Paulo Zogbe.

“¿Cuál es ese momento inicial en que una persona se decide a dejar su marca en un cuerpo ajeno, a pasar su movimiento, su pensamiento, a darle una imagen y compartir una necesidad y un entusiasmo? ¿Y cuál es, también, ese momento en que alguien decide que puede seguir o buscar una idea con otro, en el camino casi siempre oscuro y vericuetico que significa crear una obra de danza? Ese momento, ese salto sin retorno nos convierte en algo que se irá definiendo de a poco. Ser coreógrafo es una elección que se despliega en un largo camino de búsquedas, de aciertos y desatinos donde no hay recetas ni fórmulas. Una pura intuición, un puro despertar.”

Alejandro Cervera
Asesor del Área de Artes Escénicas


Óperas Primas 2018
Marisa Wayner vende, de Consuelo Iturraspe
Viernes de octubre y noviembre a las 20 hs
Sala Batato Barea
Entrada: $130
Importante: el viernes 30 de noviembre no hay función.
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Marisa Wayner trabaja en una inmobiliaria. En sus guardias de seis horas, muestra casas y departamentos deshabitados. Hay una propiedad en particular que no consigue vender: San Telm. 3 Amb. Hech. a nuev. Bañ. c/sorpr. Estud. 1 Bañ. 1 Toil. Balc aterr. Coch. Sin Exp. Imp. Oport. Nunca Taxi. Dice que el departamento es muy especial, dice que necesita un propietario que sea igual de especial. Dice que todavía no encontró a esa persona y mientras tanto, lo habita.

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Ficha técnica
Actúan: Mercedes Najman, Marinha Villalobos, Agustín Meneses. Asistencia de dirección: Belén Borghi. Diseño de movimientos: Paula Erlich. Escenografía: Marina Raggio. Vestuario: Florencia Gabelli. Diseño de luces: Fernando Chacoma. Instalación visual: Gastón Luciani. Operador visual: Nahuel Cañada. Música original: Ariel Obregón. Diseño sonoro: Alma Laprida. Diseño gráfico: Agustín Obregón. Fotografía: Mario Efron. Dramaturgia y Dirección: Consuelo Iturraspe.

Consuelo Iturraspe nació en 1987 en Santa Fe. Es dramaturga, poeta y directora, egresada de "Dramaturgia" en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires (EMAD). Se formó también con Romina Paula, Mauricio Kartun y Jorge Boccanera. Participó en el Festival Escena de BA 2013 y El Porvenir 2017. Se desempeñó como asistente de dirección en distintas obras y como codirectora en ciclos de teatro breve. Obtuvo la Beca Bicentenario a la Creación 2016 del Fondo Nacional de las Artes por su proyecto de escritura dramática colectiva “Un tiro cada uno”, obra escrita junto a sus compañeras del grupo de escritura feminista: CABEZA.

Sobre Óperas Primas
El ciclo de Óperas Primas ha dado muchas sorpresas y “descubrió” realizadores y piezas iridiscentes, inquietantes, divertidas, explosivas e íntimas. Muchos de los que pasaron por esta experiencia hoy siguen su camino como hacedores del teatro y se destacan con sus piezas.

El Rojas resalta, hace años, por ser el lugar donde está la oportunidad de empezar, de probar, de fallar y de profundizar. Operas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas.

Maruja Bustamante
Asesora de Artes Escénicas


La maldad del mundo, de Alfredo Staffolani
Viernes de octubre y noviembre a las 21.30 hs
Sala Biblioteca
Entrada: $130
Importante: el viernes 30 de noviembre no hay función.
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La pieza se realiza en el marco de PROYECTO FAMILIA*.

Se cuenta la historia de una prostituta de Florencio Varela llamada Célica que durante el casamiento de El Negro - el hombre que la regentea - se escapa a Constitución para empezar una nueva vida. Pero en este intento, abandona también a su pequeño hijo Alberto que queda a cuidado de los vecinos del barrio. Algunos años después, cuando él es adolescente, Célica vuelve a buscarlo bajo la promesa de un mejor porvenir, muy cerca del Obelisco.

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Ficha técnica
Actúan: Diego Vegezzi, Fabiana Falcón, Alejo Mango, Paula Staffolani, Julia Garriz, Nicolás Balcone, Julián Rodriguez Rona, Osqui Ferrero, Eric Siage y Lautaro Cuevas. Diseño de Escenografía: Magalí Acha. Asistente de escenografía: Vanessa Giraldo. Diseño de Vestuario: Laura Staffolani. Diseño de Iluminación: Adrián Grimozzi. Asistente de Iluminación: Juan Seade. Diseño sonoro y música en vivo: Valentín Piñeyro. Colaboración Coreográfica: Lucía Mouján. Registro documental & Fotografía: Guillermo Barbuto. Colaboración artística: Martin Piliponsky.Testimonio en video: Luisa Acosta. Dramaturgia y Dirección: Alfredo Staffolani.

Alfredo Staffolani nació en 1982 en Buenos Aires. Es actor, autor, docente y director de teatro. Escribió y dirigió "Por culpa de la Nieve", "El hijo después", "La Mecánica del Sol", "Harley" – en el marco del Obrador Obrador d'Estiu de la Sala Beckett de Barcelona – "Ejercicio para una mujer y un puma" y "About the campo". Es autor también de "Un lugar a dónde ir" – comisionada por The Royal Court Theatre de Londres – "El Ardor" y "Los Golpes". Como actor trabajó con Rubén Szuchmacher, Francisco Civit, Analía Fedra García, Luciano Suardi, entre muchos otros. Fue artista residente del Copycat Academy del Festival Luminato de Toronto, y la usina de creación Experimenta Sur en Bogotá. Sus obras fueron traducidas al inglés y al catalán.

*Sobre PROYECTO FAMILIA reflexiona acerca de la familia en las artes y la comunidad. ¿Qué familia tengo? ¿Qué familia elijo? ¿Qué familia quiero? ¿Qué familia es posible en el tercer milenio? Obras, películas, performances e instancias de reflexión para encontrarse, comunicarse, aceptarse y descubrirse.


Reestreno Danza
El Risco, de La Montón

Sábados a las 20 hs - Desde el 13 de octubre hasta el 17 de noviembre
Sala Cancha
Entrada: $130**
*13 octubre: función con entrada gratuita en el marco del Festival Buenos Aires Danza Contemporánea
*10 de noviembre: función con entrada gratuita en el marco de La Noche de los Museos

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Los peligros visibles nos atemorizan menos que los horrores imaginarios
William Shakespeare

¿Cómo reaccionamos físicamente ante situaciones peligrosas, sean estas reales o imaginadas? ¿Cuántos simulacros necesitamos para estar preparados? 
¿Cómo una urgencia encarnada y un estado de alerta colectivo operan en la escena? 
Las cosas no son en sí mismas peligrosas, todo depende de cómo nos expongamos a ellas. Nada es peligroso y a su vez todo es potencialmente peligroso.

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Ficha técnica
Idea, dirección e interpretación: La Montón. La Montón son: Lucía García Pullés, Samanta Leder y Delfina Thiel. Asistencia de dirección: Lucía Giannoni . Diseño de luces: Paula Fraga. Diseño de sonido: Patricio Lisandro Ortiz. Fotos: Ariel Feldman.

La Montón es un colectivo artístico que estrena su ópera prima “Finlandia” en 2014 (Premio Estímulo a la Creación UNA; mención especial en Festival FAUNA; Prodanza; Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires) y en 2016 “El Risco” (coproducción con el Centro Cultural Ricardo Rojas; mención especial a la coreografía y premio a la interpretación en la Bienal de Arte Joven). En 2017 y 2018 trabajan en “El baile” de Mathilde Monnier, estrenada en Francia y presentada en teatros y festivales internacionales.


Estreno
No (tan) Hamlet, de Candelaria Sabagh

Miércoles a las 20 hs - Desde el 17 de octubre hasta el 21 de noviembre
Sala Batato Barea
Entrada: $130
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No (tan) Hamlet parte de los textos dramáticos "Hamlet", de W. Shakespeare y "Tres hermanas", de A. Chejov. Extrae de ambos el diálogo tenso y destructivo entre una conciencia política desarrollada hasta las últimas consecuencias y un microfascismo familiar en sintonía con un contexto político en el que la soberanía de un Estado merma y deja paso al poder global imperial, destructivo, venenoso, asesino.

Aunque con referencias a Dinamarca, Wittemberg y ciertos territorios europeos, la acción dramática se lleva a cabo en un tiempo/espacio universal y las referencias al contexto político regional de la Sudamérica contemporánea son visibles para quien quiera verlas.

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Ficha técnica
Vestuario, arte: Camila Pérez. Escenografía: Camila Pérez y Carlos Rogers. Diseño de iluminación: Diego Becker. Asistencia coreográfica: Carla Fonseca. Maquillaje: Luciana Cataldi, Romina Tischelman. Asistencia de dirección: Macarena Russo. Asistencia de producción: Romina Tischelman. Realización cinematográfica: Hernán Oviedo, Camila Pérez. Sonido directo y edición de sonido en cine: Benjamín Martínez, Matías Luzi. Cámara en vivo: Hernán Oviedo. Asistencia de cámara en vivo: Ignacio Frick. Producción cinematográfica y fotográfica en "Molvento": Matías Wonko, Ignacio Obregón. Fotografía Prensa: Guido Adler. Caracterización Prensa: Flores Tucci. Diseño Cartelería: Hernán Oviedo. Producción General: Carlos Rogers. Libro y Dirección: Candelaria Sabagh.
Elenco: Romina Richi, José Espeche, Juan Santiago Privitera, Irina Limay Berra Larrosa, Cecilia Labourt, Gustavo Delfino, Juan Jiménez, Olga Romina Tischelman, Milena Florencia De Bilbao, Luciana Di Tella, Hernán Diego Bongiorno, Carlos Rogers, Francisco Vocos, Nelson Ansiporovich, Hernán Oviedo, Ignacio Frick, Alejandro Chaluat, Simbad Hynes Sabagh.
Ensamble: Laura Dimitruk, Facundo Pirola, Marina Echenique, Leandro Fornari, Anahí Politi, Benjamín Martínez, Micaela Cortina.
Orquesta: Percusión y efectos: Andrea Cilliberti. Guitarra y bandurria: Matías Luzi. Voz: Sol de Angelis. Cello y voz: Francisco Vocos. Violín y voz: Verónica Navalles. Clarinete, objetos sonoros y voz: Alejandro Chaluat. Flauta traversa, arreglos y dirección: Juan Rogers.

María Candelaria Sabagh es docente, dramaturga, directora e investigadora teatral. Nació en 1976 en Río Ceballos, Córdoba. Desde niña se formó en talleres teatrales y se perfiló como asidua lectora de textos filosóficos en su adolescencia. Hoy se define artista-activista política.  Es licenciada en dirección escénica (Universidad Nacional de las Artes), profesora en filosofía (Universidad Nacional de Córdoba) y actualmente trabaja en su tesis de la maestría en dramaturgia (U.N.A.). Desde el 2002, lidera la compañía de teatro "Amarillo en Escena Trajo Mala Suerte", con la que montó numerosos espectáculos. Entre su producción se destacan "Ofiuco", "Zoom in 90´s", "Residencia Canterville", "No Más Zzzzs" y "Ego".  En 2017 ganó el tercer puesto de dramaturgia en el concurso de obras nacionales del I.N.T por la obra "Fuego de Dragón sobre Dragón de Madera". En el mismo año presentó la performance "La frutilla de tu postre" en Laboratorio Marte.


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