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Departamento de Artes Escénicas
Danza, Historia y teoría teatral, Teatro y Música

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Ficha técnica
Intérpretes:
Caro Massara, Liana Ruiz, Claudia Cambri, Tatiana Bessarez, Camila Palma, Celeste Poceiro, Ana Laura Vital, Antonia Rojas, Stefania Ribisich, Romina Fariña, Rodolfo Colombo, Leonardo Alcarraz Lores, Luciana Tomie, Tuty Constantino, Liliana Mariñas, Ayelén Pérez de Seta, Luly Trasmonte, Pablo Montaña, Joche Caprara, Micaela Díaz Barquinero, Alicia Staif, Ariel Cortina, Juan Ignacio Picos, Gastón Pérez, María Luz Pujol, Gisela Sanguineti, Lucrecia Cermelo, Emilia Martin, Diego Crevacuore, Romina Pereira, Daniel Sanz, Evangelina Moliné. Idea y Dirección: Ricky Pashkus. Directores invitados: Emiliano Dionisi, Alejandro Ibarra, Pedro Velázquez. Música: Leandro Becker. Coreografía: Marina Svartzman. Diseño de Luces: Martín Patlis del CCRRRojas. Asistente Coreografía: Lucila Tolis.

Ricky Pashkus es coreógrafo y director. Hace 30 años creó junto a Julio Chávez un proyecto educativo de formación teatral y de danza, especialmente enfocado al teatro musical. Junto a Pablo Gorlero gestó los “Premios Hugo” y los eventos “Primeras damas”, “Señores y señores” y “La Selección”. Trabajó junto a Hugo Midón, Tato Bores, Enrique Pinti, Eleonora Cassano y Lino Patalano, entre otros. Es Director Emérito de la Fundación Julio Bocca. Actualmente tiene en cartel la obra "Yiya, el musical", y próximamente estrena “Ondulantes” y “Hombre viajando en Taxi".

Marina Svartzman es docente, actriz, bailarina y coreógrafa. Egresada de la Escuela Nacional de Danzas y de la escuela de teatro “ETBA. En teatro, realizó entrenamiento actoral con el Augusto Fernández y clown con Raquel Sokolowicz. En tango se formó con Gustavo Naveira, Mingo y Esther. Asimismo, tiene formación en danza clásica, contemporánea, danza-jazz y composición coreográfica. Realizó el taller de Puesta en escena con Rubén Szuchmacher y el de Composición coreográfica con Oscar Araiz.

Leandro Becker es pianista (IUNA), compositor y director. Estudió composición con Edgar Ferrer y jazz con Manuel Fraga. Desde 2011 trabaja en teatro musical, participa en la Orquesta Argentina de Teatro Musical; y como pianista, compositor y director en distintas obras.

Analphabet Orquestra, es un proyecto de investigación individual y grupal que mutó a lo largo del tiempo. Inicialmente, consistía en una práctica musical sin acogerse a un lenguaje establecido. Posteriormente, se incorporó contenido teórico de la mano de la artista Larraitz Torres. A partir de 2015, con el apoyo del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera, se añadió un programa de charlas. Esto posibilitó el desplazamiento de disciplinas, prácticas y de géneros. Básicamente, la intención era abordar prácticas que se encuentran “entre” procesos artísticos, performativos, musicales y de edición impresa.

Más info acá

Larraitz Torres es artista y parte de materiales de la cultura pop para resignificar y posibilitar otros entendimientos. Comenzó su trayectoria con la performance “Plastificción” (producida por Mugatxoan, 2003). Desde entonces, trabajó en “Permanent Vacation Versión” (Artium, España), “Inicio-Nowness” (La Casa Encendida), “The landscape The song The make up” (Marfa, EEUU), “Sec.Int.Night” (DAI/Casco, Holanda) y con Sandra Cuesta en el grupo Colombina's.

Valentín Chocobar nació en Cafayate, Salta. En los ’80 se radicó en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Municipal “Manuel de Falla”. Paralelamente exploraba el repertorio ancestral de las bagualas. Ahondó en diferentes estilos y variados toques de caja. Participó, junto a Luisa Calcumil y las Hermanas Cari, en el Primer Encuentro Pluricultural de América realizado en México, y junto a Silvia Barrios y Ricardo Vilca, en el Encuentro mundial de Culturas del Desierto realizado en Argelia. Fue invitado especial del espectáculo “América en Cueros”, presentado por Leda Valladares en la Sala Martín Coronado del Teatro General San Martín. Durante casi diez años fue parte del Elenco Estable de “El patio de Vitillo Ábalos”. Recientemente participó en el Homenaje a Rolando “Chivo” Valladares en el Centro Cultural Kirchner bajo la dirección y arreglos de Leopoldo Deza, donde compartió escenario con Juan Falú y Verónica Condomí, entre otros.

Anticipo: Reestreno Febrero
Todo tendría sentido si no existiera la muerte*, de Mariano Tenconi Blanco
Del 15 de febrero al 17 de marzo
Jueves, viernes y sábados a las 20 hs
Sala Batato Barea
Entrada: $130 (descuento 50% para alumnos UBA y jubilados)

A finales de los 80, en un pueblo del interior de Buenos Aires, una maestra de escuela se entera de que tiene una enfermedad terminal. Como última voluntad decide filmar una película pornográfica.

¿Qué es una vida? La amistad, el amor, el deseo, los sueños, el cuerpo de la mujer como campo de batalla, una novela de iniciación, una despedida: Todo tendría sentido si no existiera la muerte es una obra de teatro épica y a la vez íntima.

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Ficha técnica
Con:
Lorena Vega, Maruja Bustamante, Andrea Nussembaum, Juana Rozas, Bruno Giganti y Agustín Rittano. Escenografía: Oria Puppo. Vestuario: Cecilia Bello Godoy y Johanna Bresque. Iluminación: Matías Sendón. Coreografía: Jazmín Titiunik. Musicalización: Mariano Tenconi Blanco. Música original compuesta por Ian Shifres e interpretada por Francisco Garat (guitarra), Arístides Prando (saxo) e Ian Shifres (teclados). Fotografía: Sebastián Freire. Arte en fotografía: Mume Boskovich. Diseño Gráfico: Gabriel Jofré. Coordinación de montaje: Mariana Mitre. Producción general: Carolina Castro. Asistencia de escenografía: Florencia Tutusaus. Asistencia de vestuario: Elisa D’Agustini. Asistencia de iluminación: Sebastián Francia. Asistencia de producción: Eugenia Tobal. Meritoria de dirección: Ana Schimelman. Asistencia de dirección: Maxi Muti. Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco.

Mariano Tenconi Blanco es dramaturgo y director de Teatro. Como autor y director estrenó Montevideo es mi futuro eterno en 2010, Lima Japón Bonsai en 2011, Quiero decir te amo en 2012, La Fiera en 2013, Las Lágrimas en 2014, Futuro en 2015 y Walsh. Todas las revoluciones juntas en 2017. Fue régisseur de las óperas La Libertad Total, de Fagin-Katchadjian, estrenada en el Ciclo de Música Contemporánea en el Teatro San Martin (2014) y Le Malentendu, ópera compuesta por Fabián Panisello sobre la obra teatral homónima de Camus, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, en coproducción con el Festival de Otoño de Varsovia, la Neue Oper de Viena y el Teatro Real de Madrid (2016).

*Esta obra ganó el IX Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia; es una coproducción de Compañía Teatro Futuro y el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), el Festival de Artes Escénicas (FIDAE), el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (UBA), el Centro Cultural San Martín y la Comedia de la Provincia de Buenos Aires.


Anticipo: Reestreno Marzo
RASTROS*. Danza aérea y contemporánea, de Ana Armas
Viernes de 2, 9, 16, 23 de marzo y viernes de abril a las 20.30 hs
Sala Cancha
Entrada: $130

Rastros es el resultado de una investigación en danza aérea y contemporánea sobre aquello que deja huella, marca. ¿Cómo es posible dejar rastros de lo bailado? La obra indaga sobre el paso del tiempo, lo que perdura en la memoria y en la memoria del cuerpo. Sobre lo repetitivo e infiel del recuerdo. Sobre las marcas que deja el encuentro con el otro.

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Ficha técnica
Compañía:
ABISMO DANZA. Intérpretes: Amanda Berrueco, Rodrigo Calvete, Milagros Coll, Mariela Loza, Gastón Santos, Lucila Schmidt. Técnico en seguridad aérea: Sergio Costa Centeno. Diseño y realización de vestuario: Sara Bande. Diseño de luces: Agnese Lozupone. Música: PROGRAMA, The XX, Thomas Bangalter, Four Tet. Edición Musical: José Ríos. Arte gráfico: Hernán Bermúdez. Asistente de dirección: Julieta Vázquez. Asistente de producción: Cintia Sola. Producción: ABISMO DANZA. Idea y Dirección: Ana Armas

Ana Armas es bailarina, creadora de danza y licenciada en Psicología. Egresada de la Escuela Municipal de Danzas de Rosario y del Taller de Danza contemporánea del Teatro San Martín de Bs. As. En 2003/4 recibió la Beca Antorchas para perfeccionamiento en danza. Perteneció a la Cía. de Danza Aérea de Brenda Angiel. Trabajó con reconocidos coreógrafos nacionales y del exterior. Desde 2011 dirige la compañía y escuela de danza aérea y contemporánea ABISMO DANZA.

ABISMO DANZA es un proyecto destinado a la enseñanza, investigación y creación en danza aérea y contemporánea con la dirección de Ana Armas. Cuenta con un staff de artistas con amplia formación y experiencia que entrena y trabaja en forma conjunta desde 2011. En sus últimas creaciones trabaja en el cruce de la danza aérea con otras disciplinas artísticas como el teatro, las artes visuales y las artes plásticas. Creó la obra “Punto de Fuga” con la que realizó performances en Tecnópolis, para la Secretaría de Cultura de la Nación y para el Gobierno de la ciudad de Bs As en la Usina del Arte.

*Esta obra realizó la residencia Laboratorio Prodanza 2016

Anticipo: Reestreno Marzo
Delfín Negro
Viernes 10 y 17 de marzo y viernes de abril a las 21.30 hs
Sala Cancha
Entrada $130
¿Cómo se crea una obra revolucionaria? ¿Cómo denunciar el imperialismo cuando ya no se nombra? La danza es revolucionaria, cuando abraza el dolor y la impotencia ante la desigualdad. Gritamos por nuestros héroes y los llamamos por sus nombres. A veces, también callamos y morimos.  Demos vuelta las armas, el enemigo está adentro.
 
Esta pieza se produjo en el marco del Festival RojasDanza 2017.
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Ficha técnica:
Creadoras e intérpretes: Catalina Briski, Clotilde Meerof y Brenda Boote Bidal. Iluminación: Paula Fraga. Sonido: Sebastián Greschuk. Fotografía: Ignacio Cángelo
Dirección: Ramiro Cortez. Duración: 40 min.

Ramiro Cortez es músico, bailarín, director y coreógrafo, egresado del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Trabajó como intérprete bajo la dirección de varios directores locales e internacionales y dirigió, junto a Federico Fontán, las obras “Los Cuerpos” y “La Corporación”.

Anticipo: Estreno Marzo
Acróstico, de Diego Rosental
Viernes 16 y 23 de marzo y viernes de abril y mayo a las 22.30 hs
Sala cancha
Entrada: $100

La pieza de teatro-danza forma parte del Ciclo Óperas Primas 2017*, curado por Maruja Bustamante, con estreno previsto para marzo de 2018.

Acróstico: Composición poética que contiene letras -al inicio, en medio o al final de sus versos- con las que se puede formar una palabra o una frase.

Él construye y reconstruye su propio relato. Ella está ahí para interpretar ese mundo imaginario, distorsionado, subjetivado. Es la obra de la rememoración imposible. El deseo de hablar con el cuerpo para que las palabras encuentren una experiencia real, si así puede decirse. Una historia sobre la propia esencia, sobre la identidad. También sobre el amor. Un amor crudo, ambiguo, que se marchita a lo largo de años de desencuentro. Al renunciar a la maternidad, ese “amor” pasa a ser erótico, pasional, trágico. Ella es abducida por los tentáculos de una secta. Es capturada. Y lo abandona por otro, por otros. Por su propia soledad.

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Ficha técnica
Intérpretes:
Jimena Pérez Salerno y Diego Rosental. Dirección de arte: Eugenia Foguel. Diseño de luces: Sebastián Francia. Música: Daniel Bugallo. Colaboración dramatúrgica: Aldana Cal. Diseño gráfico: Bárbara Delfino. Asistencia de dirección y colaboración creativa: Andrés Molina, Roberta Blazquez Caló. Idea y Dirección General: Diego Rosental.

Diego Rosental es actor, bailarín, músico y acróbata. Como actor se formó con Ciro Zorzoli, Guillermo Angelelli y Analía Couceiro entre otros. Estudió en la Escuela Provincial de Teatro de Rosario y en la actual UNA de Arte Dramático. En danza se formó con Ana Frenkel, Lucas Condro, Eugenia Estévez, Marina Giancaspro, Gustavo Lesgart. Trabajó en las obras Estado de Ira, Símil Piel (Ciro Zorzoli), Pura Cepa, Hacia el Fin (Ana Frenkel), Villa Arguello (Celia Arguello Rena), Hemos abandonado nuestra carrera de campeones (Diego Velázquez y Eugenia Estévez), Categoría Mosquitos (Andrés Molina), Grandes Amigos (Mayra Bonard), Corazón Idiota (Frenkel, Casella, Cúparo), América Latina (Maruja Bustamante), Muchas Felicidades (Analía Fedra García). Formó parte del espectáculo Villa Villa (De la Guarda) y colaboró como coreógrafo en obras de Cecilia Meijide, Alejandro Ullúa y Diego Velázquez.

*Sobre Óperas Primas 2017

El ciclo de Operas Primas dio muchas sorpresas y “descubrió” realizadores y piezas iridiscentes, inquietantes, divertidas, explosivas e íntimas. Muchos de los que pasaron por esta experiencia hoy siguen su camino como hacedores del teatro y se destacan con sus piezas.

El Rojas resalta, hace años, por ser el lugar donde está la oportunidad de empezar, de probar, de fallar y de profundizar. Óperas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas.

Maruja Bustamante
Asesora de Artes Escénicas


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