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Departamento de Artes escénicas
Danza, Historia y teoría teatral, Teatro y Música

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Ficha técnica
Intérpretes:
Caro Massara, Liana Ruiz, Claudia Cambri, Tatiana Bessarez, Camila Palma, Celeste Poceiro, Ana Laura Vital, Antonia Rojas, Stefania Ribisich, Romina Fariña, Rodolfo Colombo, Leonardo Alcarraz Lores, Luciana Tomie, Tuty Constantino, Liliana Mariñas, Ayelén Pérez de Seta, Luly Trasmonte, Pablo Montaña, Joche Caprara, Micaela Díaz Barquinero, Alicia Staif, Ariel Cortina, Juan Ignacio Picos, Gastón Pérez, María Luz Pujol, Gisela Sanguineti, Lucrecia Cermelo, Emilia Martin, Diego Crevacuore, Romina Pereira, Daniel Sanz, Evangelina Moliné. Idea y Dirección: Ricky Pashkus. Directores invitados: Emiliano Dionisi, Alejandro Ibarra, Pedro Velázquez. Música: Leandro Becker. Coreografía: Marina Svartzman. Diseño de Luces: Martín Patlis del CCRRRojas. Asistente Coreografía: Lucila Tolis.

Ricky Pashkus es coreógrafo y director. Hace 30 años creó junto a Julio Chávez un proyecto educativo de formación teatral y de danza, especialmente enfocado al teatro musical. Junto a Pablo Gorlero gestó los “Premios Hugo” y los eventos “Primeras damas”, “Señores y señores” y “La Selección”. Trabajó junto a Hugo Midón, Tato Bores, Enrique Pinti, Eleonora Cassano y Lino Patalano, entre otros. Es Director Emérito de la Fundación Julio Bocca. Actualmente tiene en cartel la obra "Yiya, el musical", y próximamente estrena “Ondulantes” y “Hombre viajando en Taxi".

Marina Svartzman es docente, actriz, bailarina y coreógrafa. Egresada de la Escuela Nacional de Danzas y de la escuela de teatro “ETBA. En teatro, realizó entrenamiento actoral con el Augusto Fernández y clown con Raquel Sokolowicz. En tango se formó con Gustavo Naveira, Mingo y Esther. Asimismo, tiene formación en danza clásica, contemporánea, danza-jazz y composición coreográfica. Realizó el taller de Puesta en escena con Rubén Szuchmacher y el de Composición coreográfica con Oscar Araiz.

Leandro Becker es pianista (IUNA), compositor y director. Estudió composición con Edgar Ferrer y jazz con Manuel Fraga. Desde 2011 trabaja en teatro musical, participa en la Orquesta Argentina de Teatro Musical; y como pianista, compositor y director en distintas obras.

Analphabet Orquestra, es un proyecto de investigación individual y grupal que mutó a lo largo del tiempo. Inicialmente, consistía en una práctica musical sin acogerse a un lenguaje establecido. Posteriormente, se incorporó contenido teórico de la mano de la artista Larraitz Torres. A partir de 2015, con el apoyo del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera, se añadió un programa de charlas. Esto posibilitó el desplazamiento de disciplinas, prácticas y de géneros. Básicamente, la intención era abordar prácticas que se encuentran “entre” procesos artísticos, performativos, musicales y de edición impresa.

Más info acá

Larraitz Torres es artista y parte de materiales de la cultura pop para resignificar y posibilitar otros entendimientos. Comenzó su trayectoria con la performance “Plastificción” (producida por Mugatxoan, 2003). Desde entonces, trabajó en “Permanent Vacation Versión” (Artium, España), “Inicio-Nowness” (La Casa Encendida), “The landscape The song The make up” (Marfa, EEUU), “Sec.Int.Night” (DAI/Casco, Holanda) y con Sandra Cuesta en el grupo Colombina's.

Valentín Chocobar nació en Cafayate, Salta. En los ’80 se radicó en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Municipal “Manuel de Falla”. Paralelamente exploraba el repertorio ancestral de las bagualas. Ahondó en diferentes estilos y variados toques de caja. Participó, junto a Luisa Calcumil y las Hermanas Cari, en el Primer Encuentro Pluricultural de América realizado en México, y junto a Silvia Barrios y Ricardo Vilca, en el Encuentro mundial de Culturas del Desierto realizado en Argelia. Fue invitado especial del espectáculo “América en Cueros”, presentado por Leda Valladares en la Sala Martín Coronado del Teatro General San Martín. Durante casi diez años fue parte del Elenco Estable de “El patio de Vitillo Ábalos”. Recientemente participó en el Homenaje a Rolando “Chivo” Valladares en el Centro Cultural Kirchner bajo la dirección y arreglos de Leopoldo Deza, donde compartió escenario con Juan Falú y Verónica Condomí, entre otros.

Vuelve
Ciclo Óperas Primas 2016
Ver en el desplegable, salas, días y horarios para cada obra
Entrada: $80 / Hacé click para comprar tus entradas online

Vuelve Orfeo Mezzosoprano, dirigida por Miguel Sorrentino. Además, estrenamos Mientras muero imagino huevos que se pudren, de Leandro Orellano, que recibió la Mención Óperas Primas 2016.

El ciclo de Operas Primas ha dado muchas sorpresas y “descubrió” realizadores y piezas iridiscentes, inquietantes, divertidas, explosivas e íntimas. Muchos de los que pasaron por esta experiencia hoy siguen su camino como hacedores del teatro y se destacan con sus piezas.

El Rojas resalta, hace años, por ser el lugar donde está la oportunidad de empezar, de probar, de fallar y de profundizar. Operas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas.

Maruja Bustamante
Asesora de Artes Escénicas

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Mientras muero imagino huevos que se pudren
de Leandro Orellano
Jueves 1 de junio a las 21hs.
Sala Cancha
Entrada: $80

Fermín y Amada duermen en su lecho. Durante la madrugada son abordados por personajes su pasado, los cuales, movidos por el deseo negado o no correspondido, accionan sobre ellos estrategias de manipulación y engaño que terminan desestabilizando por completo la concepción emocional y material de la pareja, desatando la violencia como reacción y la tragedia como consecuencia. Mientras muero imagino huevos que se pudren, se centra en la exploración del deseo y la obsesión amorosa, en la disyuntiva entre “ser o tener” y en la evocación de la muerte y la ingenuidad de representarla.

Ficha técnica
Intérpretes:
Bárbara Culotta, Martina López González, Manuel Guirao, Poppy Murray, Natalia Urbano, Manuel Iglesia. Diseño sonoro: Kchi Homeless. Diseño de luces: Matías Sendon. Diseño de vestuario: Daniela Chihuailaf. Diseño gráfico: Mumy. Producción: Poppy Murray. Dramaturgia y dirección: Leandro Orellano.

Leandro Andrés Orellano es actor, director y técnico de teatro. Trabajó también como asistente creativo en diversas obras de Gonzalo Martínez, Romina Paula, Javier Daulte y Mariano Pensotti. Con Pensotti trabaja desde 2009 en la compañía de teatro La Marea como stage manager, realizando giras internacionales en más de 60 ciudades de Europa, Norteamérica, Sudamérica y Oceanía. Desde 2003 a la fecha trabaja también como operador de luces en el teatro Espacio Callejón y colabora en diseños y montajes con Matías Sendon y Ricardo Sica en distintos teatros de Buenos Aires.


Orfeo Mezzosoprano
Dir.: Miguel Sorrentino
Viernes 2 y 9 de junio a las 22 hs
Sala Batato Barea
Entrada: $80

En un teatro derrumbado, un pequeño grupo operístico intentará compartir con el público un ensayo de su próximo gran trabajo, por el cual han sacrificado sus vidas: la ópera “Orfeo ed Eurídice” de Christoph Willibald Gluck. El desmoronamiento edilicio también afectó a la conformación grupal, de la cual sólo quedaron el régisseur, el apuntador, una asistente y, como única cantante, la mezzosoprano Marie, prima donna que interpreta el papel masculino de Orfeo. Las complicadas relaciones entre los integrantes de la compañía, sumadas a las diferentes interpretaciones del material mítico, harán del “ensayo” una velada cíclica, regida por el humor y el desencanto.

Ficha técnica
Intérpretes: Sol Cintas, Erica D’Alessandro, Daniel Junowicz y Miguel Sorrentino. Escenografía y vestuario:Paula Molina. Arreglos musicales y sonorización:Andrés Caminos, Chicho Lucena. Diseño de luces: Leandro Crocco. Coach de canto: Daniel Wendler. Coreografía y asistencia artística: Ana Romans. Fotografía:Candela Santoni, Carla Jasin. Asistencia de dirección y coach coreográfico: Ana Romans. Asistencia de dirección: Manuela Hernández. Dramaturgia: Sol Rodríguez Seoane. Dirección:Miguel Sorrentino.

Miguel Sorrentino es licenciado en Actuación (UNA). Realizó diferentes cursos y seminarios con maestros como Ricardo Bartís, Alejandro Catalán, Pompeyo Audivert, Federico León y Guillermo Cacace, entre otros. Trabajó como actor en teatro -en más de veinte producciones-, cine y televisión. En el área pedagógica se desempeña como Docente de Actuación en la UNA.

Nuevo ciclo!
INTERACTIV
(interfaz sonoro-visual)

Viernes 16 de junio a las 19hs.
Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo
Entrada gratuita

El tercer viernes de cada mes, te invitamos a disfrutar del nuevo ciclo de música electrónica en todas sus variantes amalgamada con lo visual y estético. En junio proponemos un evento muy especial: Exploradores del sonido V Edición. Tocan: Frank Benkho (Ch), Pablo Reche (Arg), Telescuela Técnica (Arg) y La bella violencia (Ch):

Coordina: Luis Marte

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Exploradores del sonido V Edición

Evento creado en Chile, que reunió en sus anteriores ediciones a artistas argentinos y chilenos. Realiza su quinta edición por primera vez en Argentina celebrando de este lado de los Andes la exploración musical de ambos países.

Frank Benkho (Chile)

Proyecto solista de Mika Martini, (músico electrónico y diseñador, director de Pueblo Nuevo Netlabel). Mediante voz, sintetizadores análogos y ruido, procesados en tiempo real con pedales de efectos, generadores de ondas y máquinas de loop, crea atmósferas y estados melódicos cercanos al “noise”, al “gospel” y a la electrónica de la vieja escuela.

Escuchá su música acá



Pablo Reche
(Argentina)


Músico experimental. Utiliza el ruido como su principal elemento
estético-expresivo. En sus puestas sonoras alterna piezas basadas en grabaciones de campo junto a la manipulación de distintas fuentes sonoras y efectos.

Más info acá




Telescuela Técnica
(Argentina)


Dúo formado por Hernán Baldi y Roger Delahaye, un luthier electrónico y un músico/productor, abocados al pop ambient. Buscan hacer bailar con la música experimental y hacer del ruido improvisado algo lúdico y visual. Usan instrumentos acústicos, electrónicos y electro mecánicos construidos para la ocasión.

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La bella violencia
(Chile)


Proyecto del artista visual & sonoro Iñaki Muñoz (1980). Busca generar, cultivar, investigar y accionar universos dentro de otros universos, debates y narraciones entre el video y el sonido.

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Danza
Rastros, danza aérea y contemporánea, de Ana Armas
Viernes 2 y 9 de junio a las 21 hs
Sala Cancha
Entrada: $100
Capacidad: 30 localidades

La pieza es el resultado de una investigación en danza aérea y contemporánea sobre aquello que deja huella, marca. ¿Cómo es posible dejar rastros de lo bailado? La obra indaga sobre el paso del tiempo, lo que perdura en la memoria, y en la memoria del cuerpo. Sobre lo repetitivo e infiel del recuerdo. Sobre las marcas que deja el encuentro con el otro.

Esta obra realizó la residencia Laboratorio Prodanza 2016.

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Ficha técnica
Compañía y producción:
Abismo Danza. Intérpretes: Amanda
Berrueco, Rodrigo Calvete, Milagros Coll, Mariela Loza, Gastón Santos, Lucila Shmidt. Técnico en seguridad aérea: Sergio Costa Centeno. Diseño y realización de vestuario: Sara Bande. Diseño de luces: Agnese Lozupone. Música: PROGRAMA, The XX, Thomas Bangalter, Four Tet. Edición musical: José Ríos. Arte gráfico: Hernán Bermúdez. Asistente de dirección: Julieta Vázquez. Asistente de producción: Cintia Sola. Idea y dirección: Ana Armas.

Ana Armas es bailarina, creadora de danza y licenciada en Psicología. Egresada de la Escuela Municipal de Danzas de Rosario y del Taller de Danza contemporánea del Teatro San Martín de Bs. As. En 2003/4 recibió la Beca Antorchas para perfeccionamiento en danza. Perteneció a la Compañía de Danza Aérea de Brenda Angiel. Trabajó con reconocidos coreógrafos nacionales y del exterior. Desde 2011 dirige la compañía y escuela de danza aérea y contemporánea Abismo Danza.

Abismo Danza es un proyecto destinado a la enseñanza, investigación y creación en danza aérea y contemporánea, dirigido por Ana Armas. Cuenta con un staff de artistas con amplia formación y experiencia, que entrena y trabaja en forma conjunta desde 2011. En sus últimas creaciones se aboca al cruce de la danza aérea con otras disciplinas artísticas como el teatro, las artes visuales y las artes plásticas.

Nuevo!
Festival Rojas Danza 2017
Del 21 de junio al 1º de julio
Ver detalle de la programación, días y horarios en el desplegable
Entrada gratuita
Aclaración importante: Hay diversos modos de obtener entradas. Más info en el desplegable.

La cuarta edición del Festival ofrece una programación cuidada y trabajada desde la óptica de la cooperación con los artistas. Un 70% de los espectáculos son estrenos, propuestas generadas ad-hoc, que convierten al Centro Cultural tanto en la plataforma de difusión que es el festival, como en un personaje más del proceso de creación. Estrenos de alto nivel de la mano de coreógrafos de universos y generaciones múltiples. Además, importantes compañías invitadas, charlas, exposiciones y, como novedad, talleres de formación en la materia. Desde el Rojas abrimos las puertas a los consagrados y nuevos talentos con la política de transformar el espacio cultural de la Universidad pública en un polo de nuevas propuestas en el campo de la danza contemporánea. Esperamos que el Festival Danza Rojas 2017 invite a pensar y a construir entre todos una escena de intensa creatividad.

Lic. Cecilia Vázquez
Directora del CCRRRojas y Coordinadora General de Cultura de la UBA

Esta edición del festival hace pie en dos ideas eje: la mujer como protagonista central en el devenir de la danza escénica y asociadamente y a 100 años de la Revolución de Octubre, la idea del cambio, lo nuevo, lo que llega para plantear una opción superadora. Desde este pensamiento el festival estrena obras coreográficas, abre mesas de reflexión y debate, se extiende sobre lo pedagógico. Coreógrafos, investigadores y docentes entrecruzarán sus miradas y saberes.

Alejandro Cervera

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¿Cómo obtener entradas para los espectáculos?
Por mail:
 Se pueden reservar en infoprogramacion@rojas.uba.ar desde el 5 de junio.
Es preciso indicar: nombre y apellido, teléfono, nombre del espectáculo y fecha. Se reservan como máximo 2 entradas por persona y espectáculo y su validez hasta 30 minutos antes del inicio del mismo. En caso de no retirarse, quedarán libres para su utilización en Boletería.
En Boletería: Se asegura siempre un número de entradas por espectáculo para quienes opten por pasar directamente por boletería. Se retiran desde dos horas antes de cada espectáculo.
Excepción: la entrada para el espectáculo “Cartografías porteñas de la Compañía Danza sin fronteras es libre y gratuita, sujeta a la capacidad de la sala.

¿Cómo obtener entradas para los talleres?
La inscripción gratuita a través de Comunidad Rojas

¿Cómo obtener entradas para la muestra, charlas, mesas y fin de fiesta?
Es libre y gratuita. Sujeta a las capacidades de las salas.

Accedé acá a la grilla

Programación
Espectáculos

Mujeres en Danza

Viernes 23 a las 21 hs - Martes 27 a las 19 hs - Viernes 30 a las 20 hs
Sala Batato Barea
Duración de todo el programa: 60 min

Cuatro solos bailados y coreografiados por mujeres en un programa compartido. La coreógrafa es su propia intérprete. Con vocabularios diversos nos asomamos al mundo de la mujer, pionera en los cambios y revoluciones de este arte tan cercano al mundo femenino.

La rendija
de Cecilia Bolzán

Persuasivo. Velado. Álgido. Estigma. Quien busca su propia verdad se encuentra, más de una vez, atrapado en la red de sus miserias.

Interpretación, coreografía y dirección: Cecilia Bolzán. Música: Steady Note de Daniel Bortz. Asistencia: Alegre Bartoli.

Cecilia Bolzán nació en Agosto de 1993 en San Clemente del Tuyú, provincia de Buenos Aires. Comenzó bailando folclore y más tarde clásico y contemporáneo en La Costa. A los 18 años se muda a CABA para continuar sus estudios como bailarina. En 2012 ingresa al TDC del Teatro San Martín donde, en 2015, como trabajo de integración final nace La Rendija.

Las nubes
de Eugenia Estévez

“Por aquel acontecimiento miré el cielo como cualquiera y como todo el mundo, y me rendí a sus fuerzas entre el temor y la pregunta”.
Adrián Cangi

Interpretación y dirección: Eugenia Estévez. Iluminación: Matías Sendón. Diseño sonoro: Guillermina Etkin. Asistencia de dirección: Lucía Fernández Mouján. Fotos: José Luis Carracedo.

Eugenia Estévez es bailarina, coreógrafa y docente. Como bailarina y coreógrafa, se presentó en Estados Unidos, Chile, Uruguay, Colombia, Brasil, Francia, Noruega y Argentina, en importantes festivales internacionales. Dicta clases y seminarios de técnica e improvisación en danza contemporánea en Buenos Aires, en el Ballet Contemporáneo del Teatro Municipal General San Martín; en la Compañía Nacional de Danza Contemporánea; en el interior del país y en el extranjero en Noruega, Alemania, Italia, Colombia, Ecuador, Chile y Uruguay.

Jugadora muda en bata
de Leticia Mazur

La jugadora espacio recibe una ofrenda tiempo y muda en él.

Interpretación y dirección: Leticia Mazur. Música en vivo: Martín Minervini. Asistente de dirección y fotografía: Gianuca Zonzini.

Leticia Mazur comenzó su formación a los 5 años en gimnasia deportiva y estudió en P.A.R.T.S., Bélgica. Como bailarina y actriz trabajó con Diana Szeinblum, Carlos Casella, De la Guarda, Javier Daulte y Mariana Obersztern entre otros. Dirigió Ilusión, Watt, La Antena y La Lengua, entre otras experiencias performáticas. Es docente e investigadora a través de la improvisación corporal hace 18 años.

Isadora sur
de Carla Rímola

Isadora Sur propone un espacio de anclaje para abordar la figura de la mítica Isadora Duncan. Un punto de encuentro donde hacer converger todos los tiempos: su "danza del futuro" que ahora es parte del pasado y ese pasado como artífice de una danza construida en el presente. Conceptos, palabras e imágenes que nos interrogan y nos atraviesan. ¿Qué contradicciones y tensiones se nos presentan? ¿Qué nuevos sentidos podemos darle hoy a su danza y a sus ideas?

Idea, dirección e interpretación: Carla Rímola. Asistencia de dirección: Candelaria Gauffin. Iluminación: Sebastián Francia. Música original: Santiago Torricelli y Fede Salgado. Vestuario: Camila Castro Grinstein. Espacio y elementos en escena: Paula Molina. Diseño audiovisual: Loana Pagani. Asesoría histórica y colaboración creativa: Laura Papa.

Carla Rímola es bailarina, coreógrafa y docente. Es Licenciada en Composición Coreográfica con mención en Danza (UNA). En la actualidad interpreta la obra "La Wagner" de Pablo Rotemberg. Realizó junto a Laura Figueiras las obras “Acto Blanco”, “La Muerte y la Doncella" y “El Laberinto de la historia” esta última estrenada en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires 2015 en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, y reestrenada en julio de 2016, interpretada por la Compañía de Danza de la UNA.

Danza y política
Dos propuestas escénicas a cargo de dos coreógrafos que no le esquivan al conflicto estético.

Sueños rojos
de Daniel Goldin
Miércoles 21 a las 19 hs - Sábado 24 a las 21 hs-
Jueves 29 a las 21.30 hs

Sala Batato Barea

“Nada hay solitario en la tierra
creemos el hombre nuevo cantando”
Rafael Alberti

Tiempos de guerras y revoluciones. Tiempos de fantasmas.
Ideas e ideologías, sueños y quimeras, horror y terror.
Tiempos negros, tiempos rojos.
Sueños rotos…sueños rojos.

Intérpretes: Carla Bugiolacchi, Maxi Navarro. Vestuario: Matthias Dietrich. Iluminación: Julio A. López. Asistencia coreográfica: Noelia Meilerman. Música: Francisco Canaro, B. Cheremetieff, Sergei Prokofiev, Pater Romanov, Oskar Strok, Peter I. Tchaikovsky, Vladimir Vyssotski. Coreografía y collage musical: Daniel Goldin. Duración: 35 min.

Daniel Goldin fue integrante de Nucleodanza y del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Desde 1987 reside en Alemania donde trabajó como bailarín y coreógrafo en el Folkwang Tanzstudio y como bailarín invitado del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Entre 1996-2012 fue director del Tanztheater Münster.

Delfín negro
de Ramiro Cortez
Sábado 24 a las 22 hs - Jueves 29 a las 18.30 hs- Sábado 1 a las 20 hs
Sala Cancha

¿Cómo se crea una obra revolucionaria? ¿Cómo denunciar el imperialismo cuando ya no se nombra? La danza es revolucionaria, cuando abraza el dolor y la impotencia ante la desigualdad. Gritamos por nuestros héroes y los llamamos por sus nombres. A veces, también callamos y morimos. Demos vuelta las armas, el enemigo está adentro.

Creadoras e intérpretes: Catalina Briski, Clotilde Meerof y Brenda Boote Bidal. Iluminación: Paula Fraga. Sonido: Sebastián Greschuk. Fotografía: Ignacio Cángelo. Dirección: Ramiro Cortez. Duración: 40 min.

Ramiro Cortez es músico, bailarín, director y coreógrafo, egresado del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Trabajó como intérprete bajo la dirección de varios directores locales e internacionales y dirigió, junto a Federico Fontán, las obras “Los Cuerpos” y “La Corporación”.

Clásicas Redirigidas
Cuatro coreógrafos de la danza contemporánea trabajan con cuatro grandes intérpretes de las formaciones más prestigiosas del panorama nacional en dos programas compartidos que aúnan maestría y experimentación.

Clásicas redirigidas I: Crush + El catáfilo
Jueves 22 a las 20 hs - Miércoles 28 a las 19 hs - Sábado 1 a las 21.30 hs
Sala Batato Barea

Duración: 45 min

Crush
de Romina Simone

El cerebro trabaja en mecanismo de ideas y recuerdos, pero ante la confusión la memoria puede fallar en la búsqueda de datos. Hacer muchas cosas a la vez colapsa el cerebro. ¿Si pudiera vaciarse de información preestablecida… quedaría algo impregnado en el cuerpo?

Intérprete: Leticia Latrónico. Idea y dirección: Romina Simone

Leticia Latrónico es Profesora de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata. Fue integrante del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata y de la compañía de ballet contemporáneo en el “Staadtsteather Schwerin”, en Alemania. En la actualidad es invitada por Carlos Trunsky a trabajar como asistente para sus coreografías en el Teatro Argentino de La Plata.

Romina Simone se desempeñó como asistente en Bolero de Ravel bailado por Iñaki Urlezaga. Trabajó en la Compañía Miguel Robles en el 6º Festival Internacional Chihuahua 2010, México. 2007 Coreographic Collison, Bienal de Venecia. 2013 Trabajó en la obra NO SACRE Dir. Ismael Ivo en Festival Impulstanz Austria y gira por Brasil. Estudió repertorios Forsythe, Rosas y Ultima vez. Maestra del Ballet Contemporáneo Teatro San Martín. Creó: Solitudine, Cero, Esencia, Like the Wind y Darkness. Esencia participó del IV Festival Internacional Escena Abierta, Perú 2012.

El catáfilo
de Ramiro Soñez

A menudo se presenta como una escama que precede a otra, una cáscara que se desgarra impredecible. Ahora sus órganos subterráneos se exponen entre diferentes contornos de él.

Intérprete: Carlos Trunsky. Música: Pablo Bursztyn. Diseño de iluminación: Alfonsina Stivelman. Diseño y realización de vestuario: Sara Bande. Diseño de imagen: Evangelina Ibarra. Objeto: Alejandra Farley. FX: Pablo Cicarelli. Asistente general y fotografía: Lucila Shmidt. Idea y dirección: Ramiro Soñez.

Carlos Trunsky es autor de 40 títulos que van desde una línea académica hasta piezas contemporáneas y de exploración. Fue galardonado con los principales premios para la danza del país. Con varios de sus espectáculos realizó giras por Europa y Latinoamérica. Compone habitualmente coreografías para ópera, musicales y teatro. Ha producido una serie de espectáculos independientes con apoyo de PRODANZA: Incandescente, Voraz, Saña, Pavura y 4H; más Tangos Ausentes, todos conformados por prestigiosos artistas de Buenos Aires.

Ramiro Soñez creó piezas coreográficas en el ámbito independiente y también para El Ballet Argentino, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea (CNDC), la Compañía de Danza de la UNA, el Centro de Experimentación del Teatro Colón, Centro Cultural Ricardo Rojas y El grupo de Titiriteros del Teatro Gral. San Martín. Es maestro en la Universidad Nacional de Arte y del Taller de Danza Contemporánea del TGSM. Fue coordinador artístico de la CNDC y actualmente se desempeña en su cargo de asistente coreográfico.

Clásicas redirigidas II: Fanática + Redirigida
Viernes 23 a las 20 hs - Martes 27 a las 20.30 hs -
Jueves 29 a las 22 hs - Viernes 30 a las 21.30 hs

Sala Cancha

Duración: 60 min

Fanática
de Damián Malvacio

La obra se presenta como un cuadro, una atmósfera, una situación. La escena se transforma en un “espacio de operaciones”. La interprete crea imágenes, símbolos, discursos. El ritual transforma esa habitación en un espacio único en donde todo es posible. Ella invita así a redescubrir su mundo, recorrer su imaginario, habitar su fantasía.

Intérprete: Sofía Mazza. Asistente: Florencia Pappaleo Yacuzzi. Diseño de Iluminación: Paula Fraga. Música original: Martín Minervini. Dirección: Damián Malvacio.

Sofía Mazza es egresada del Taller de Danza Contemporánea del TGSM. Integró el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, bajo la dirección de Oscar Araiz y Mauricio Wainrot (1992-2002). Trabajó bajo la dirección de prestigiosos coreógrafos nacionales e internacionales. Es docente del Ballet Contemporáneo del TGSM, la UNSAM, Arte XXI, Proscenio.

Damián Malvacio es egresado del Taller de Danza Contemporánea del TGSM. Realizó lass coreografía: del “Vespro Della Beata Vergine”, bajo la producción de (UNA); “Abran Cancha” para el Hall del TGMS, “Stabat Mater” – destacada por los Premios Teatro del Mundo a Mejor Coreografía – y “Lucia Joyce (Gerardo Gandini)” en el Centro de Experimentación del Teatro Colon (CETC). Fue invitado a Trondheim Symfoniorkester Theater (Noruega) y a la Universidad de Berkeley (EEUU). Participó en la Bienal Arte Joven 2015-2016 con la obra “Stabat Mater” y ganó una beca en ImPulsTanz (Viena) por su labor como coreógrafo.

Redirigida
de Iván Haidar

Tus pensamientos se amplifican sobre tus acciones. Volvés a pasar por acá, a través de todos los tiempos, para que el pasado se haga eco en el presente. Sos consecuencia de quien fuiste. Seguís siendo aquella. Cada vez.

Dirección: Iván Haidar. Redirección: Soledad Pérez Tranmar.

Soledad Pérez Tranmar es bailarina, coreógrafa y docente. Se formó en Argentina y viajó a Alemania, donde obtuvo el título Master en Stage Dance, de la Universidad de las Artes, Folkwang Hochschule. Creó y coordina el área de danza de la Casa Nacional del Bicentenario.

Iván Haidar investiga en torno a la producción de dispositivos teatrales, la creación de lenguajes y experiencias del cuerpo en la performance. Actualmente trabaja con Luis Garay y la Compañía Re.Al., dirigida por Joao Fiadeiro en Lisboa.

Tango Para Un Coreógrafo
Miércoles 21 a las 20.30 hs - Jueves 22 a las 21.30 hs - Viernes 30 a las 23 hs
Sala Biblioteca

Ollantay Rojas encara la creación de una pieza basada en el tango, sin prejuicios ni ataduras estilísticas.

Estudio para bandoneón y bailarines
de Ollantay Rojas

Inmersos en el universo de un instrumento, en su laberinto, ensayamos aquellas verdades-falsedades del métier y sus actores. Motivados a perdernos dentro del intersticio existente entre el arte, falso y trascendente, y el oficio, auténtico y chato. Sobre esa difusa línea divisoria nos predisponemos a la acción, al espacio, al sonido, al silencio. La pieza forma parte de una serie de ensayos devenidos en obras acerca del tango y su escenario, concentrados en los puntos de intersección de los bailarines, los músicos y la profesión.

Intérpretes: Andrés Baigorria, Melina Brufman, Sofía Calvet. Asistencia general: Lucía Ohyama. Música: A. Piazzolla, Sofía Calvet. Iluminación y espacio: Agnese Lozupone. Colaboración: Martina Huber. Dirección y coreografía: Ollantay Rojas. Duración: 35 min.

Ollantay Rojas es bailarín y coreógrafo. Estudió piano, tango, danza y teatro. Recibió becas y/o subsidios del FNA, Prodanza, F. Metropolitano, Festival Impulstanz. Trabajó en casas de tango y en obras de danza contemporánea y teatro. Creó Tango in Blue, Ensayo N.º 1 y Tango for Import (videodanza). Dictó cursos para el ISATC, Talleres de Extensión de la UNA, y festivales de tango de Buenos Aires y el exterior. Integrante de la Plataforma Tango Escénico Actual.

Dans

Vincular el baile al acontecimiento, la Danza como expresión del cuerpo y no solo como el depósito de la música de moda. Observar el mundo bailando, con todos los sentidos. Bailar sin patrones ni reglas pacatas. Moverse como nunca antes. Crear una forma de moverse. Descubrir los otros cuerpos que nos habitan. Dans es un ciclo de danza que te invita a ser parte de la coreografía, que te estimula a participar, a dialogar y a divertirte.

Idea del ciclo: Maruja Bustamante. Continúa en agosto.

Coreomanía
-no puedo parar-
de Josefina Gorostiza
Jueves 22 a las 21 hs - Viernes 23 a las 22.30 hs
Sala Cancha

Una vez iniciado el episodio, raramente se detuvieron, y algunos bailaban hasta que se derrumbaban de agotamiento.

Intérpretes: Mauro Appugliese, Victoria Delfino, Nicolás Goldschmidt, Juan Manuel Iglesias, Antonela Pereyra, Mauro Podestá, Carla Di Grazia. Diseño Sonoro: Facu KchiHomeless. Dirección de arte y diseño gráfico: Adrián Tosta 14/31 estudio. Diseño de iluminación: Sebastián Francia. Dirección: Josefina Gorostiza. Duración: 40 min.

Josefina Gorostiza es intérprete, coreógrafa y docente. Su búsqueda se centra en el trabajo del movimiento, entendiendo al cuerpo como una enorme potencia creativa. Licenciada en Composición Coreográfica en la Universidad Nacional del Arte. Recibió becas y subsidios del F.N.A, Prodanza, y La Bienal de Arte Joven. Participó de festivales en Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Bolivia, Bélgica y España.

Propuestas de Compañías de danza

Cartografías porteñas
Danza sin fronteras
Jueves 22 a las 20.45 hs
Galería de arte

Las fronteras no son inmóviles. Lo mismo que las identidades y las diferencias. Cada vez que se corre una frontera, somos otros, otras.

"Siendo tarea del cartógrafo dar voz a los afectos que piden pasajes, de él se espera básicamente que esté involucrado en las intensidades de su tiempo".

Suely Roinik

Intérpretes: C. Iocco, G. Torres, L. Rossetto, P. Pereyra, M. Landa, F. Siquot. Mapping: L. González Canosa. Música: E. Lepera y J. Gracia. Vestuario: V. Vera. PH: M. Russo. Diseño Gráfico: Ojiva Artwork. Gestión Cultural: Liliana Furio. Asistente de dirección: Sergio Villalba. Dirección y Coreografía: Laisvie Andrea Ochoa. Dirección General: Mariana Chiliutti. Duración: 30 min.

Danza Sin Fronteras nace a mediados del 2014. Interpela los estereotipos, saberes y sentires en cuanto a las diferencias humanas. Trabaja para construir una mirada amorosa hacia lo distinto.

Taller de danza contemporánea del Teatro General San Martín
Función del Taller de Danza en sus 40 años
Viernes 23 a las 18 hs
Sala Batato Barea

La función del Taller de Danza estará integrada por coreografías de diferentes técnicas, estilos y lenguajes, que en su conjunto acercarán al espectador un amplio universo compositivo desde diversas poéticas y búsquedas personales, dentro de un perfil contemporáneo.

Intérpretes: Alumnos del taller de danza del TGSM. Asistencia Técnica: Lara Rodríguez. Asistencia Coreográfica: María Paz Corinaldesi. Asistencia de Dirección: Damián Malvacio. Dirección General y Artística: Norma Binaghi. Duración: 20 min.

El Taller de Danza Contemporánea del TGSM fue creado en 1977 junto con el Ballet Contemporáneo del TGSM. Su primer objetivo fue proponer un espacio de investigación, capacitación y perfeccionamiento artístico para proveer de bailarines al Ballet Contemporáneo. Con el tiempo, esos objetivos se fueron ampliando: se agregaron asignaturas y se organizó la cursada en un ciclo de tres años que permite, al mismo tiempo profundizar en la técnicas y trabajar con libertad en tareas de investigación, alcanzar una completa formación en danza contemporánea.

Norma Binaghi se desempeñó como bailarina, maestra, asistente coreográfica y co-directora en el Ballet Contemporáneo del TGSM. Desde 1989 está a cargo de la Dirección del Taller de Danza Contemporánea del TGSM. Entre 1994 y 1998 dirigió el Ballet Juvenil de la misma institución, desarrollando en ambos espacios la producción artística y la docencia. Recibió la distinción otorgada por el Consejo Argentino de la Danza como Miembro Honorario y el Premio Vocación Académica 2002, mérito a su destacada trayectoria, otorgado por la Fundación El Libro.

Furtivo
de Compañía David Señoran
Sábado 24 a las 18.30 hs
Sala Batato Barea

Nos aferramos a la impalpable certeza de conocernos. Pero ese otro podría ser cualquiera, uno distinto cada vez que cumpliera al menos con algunas de nuestras urgencias. Nada de verdad hay allí pero aun así insistiríamos en que lo que se construye es real.

Intérpretes: Patricia Ferraro, Gastón Gatti, Natalia Mussio y Favio Moran. Música Original: Mariano Cañas. Diseño de vestuario: Mariela Iturregui. Fotografía y Diseño Gráfico: Adrián Arellano. Diseño de Iluminación: David Seiras. Producción ejecutiva: Sebastián Armella. Asistencia coreográfica: Oscar Farias, Inés Silvestre. Coreografía y Dirección General: David Señoran. Duración: 50 min.

Compañía David Señoran se propone investigar, crear y producir para abrir espacios y pensamientos que conecten con la contemporaneidad más allá de las modas. La cada vez más difícil autogestión los obliga a agruparse y asociarse para obtener beneficios conjuntos y particulares. Por eso aparece la Compañía.

Cae la noche en Okinawa
de Compañía Blick
Miércoles 28 a las 21 hs - Jueves 29 a las 19 hs
Sala Batato Barea

Ellos son dos que la noche corrige por error, perdidos se encuentran para escaparse de las formas y las orillas. En la noche más oscura, terca y negra, el amor es más amor. Amor como el de los animales. Amar como animales cuando la noche se esconde para estar dentro de sí.

Intérpretes: Luis Ramírez, Adrián Andrada. Producción: Compañía BLICK. Concepto coreográfico: Adrián Andrada. Dirección de arte y puesta en escena: Facundo Domínguez. Duración: 55 min.

Compañía Blick: Construcciones, modos y percepciones. Este colectivo escénico se crea en el año 2005 en la ciudad de Córdoba, Argentina. Blick promueve y propone en sus trabajos la noción de experiencias artísticas y estéticas. Cuenta con su propio centro de investigación y producción “Espacio Blick” promoviendo una línea de trabajo asociado a los lenguajes escénicos contemporáneos. Desarrollando además un fuerte trabajo en generar políticas de red, colaboración, economía y mercado para el desarrollo de la danza contemporánea en Córdoba. Directores Artísticos: Adrián Andrada y Facundo Domínguez.

Eso que hacemos
de Les cabras
Viernes 30 a las 22 hs
Sala Batato Barea

Creada en el marco del Programa de Perfeccionamiento y Producción en Danza de la Formación FACE.

El contenido de la obra surge desde las inquietudes de los bailarines sobre la vida, la danza y la dinámica del grupo en sí. La pieza atraviesa variados paisajes en donde los performers experimentan con nuestra conexión primaria con la tierra, el instinto lúdico, la apropiación de roles y modelos,
el valor de la prueba y el error y la materialización del deseo.

Intérpretes: Carolina García Ugrin, Facundo Nahuel Aguirre, Lucía Leguizamón, Natalia Konsol, Martina Prystupa, Rocío García Brangeri, Simón Rey Salazar. Asistencia general y de dirección: Javier Crespo. Co-producción: Galpón FACE. Fotografía: Cristian Cuatro Lados, aüa, Iván Fridman. Autor: Les Cabras. Guión y dirección: Carmen Pereiro Numer. Duración: 30 min.

Compañía de Danza de la UNA

UNANochedeBaile
Sábado 1 a las 19 hs
Sala Batato Barea

¿Quiénes bailan en las ciudades? ¿En qué lugares y en qué contextos se baila? El eje de la obra es la relación entre el baile y los diferentes discursos corporales puestos en juego, abriendo la pregunta sobre la relación entre la danza contemporánea y los bailes populares y sociales.

Intérpretes: Compañía de Danza de la UNA. Iluminación: Julio López. Vestuario: Natalia Krieger. Edición musical: Carlos Vandera. Asesoramiento en Hip Hop: Gabriela Pardo. Asistencia de dirección: Verónica Litvak. Dirección: Gerardo Litvak. Asistentes de producción: Ezequiel Barrios y Sofía Lihuen Assaneo. Asistente de coreografía: Eugenia Cordera. Dirección artística: Roxana Grinstein. Duración: 50 min.

La Compañía de Danza de la UNA, perteneciente al Departamento de Artes del Movimiento de la Universidad Nacional de las Artes, fue creada en el año 2002. Este elenco, integrado por estudiantes de la Universidad, establece un vínculo entre la formación universitaria, la práctica escénica y la puesta coreográfica. Las obras de su repertorio tienen una perspectiva contemporánea que contempla la diversidad de la escena actual. Compañía de Danza de la UNA.

Integrantes: Dolores Ardua, Pablo Emilio Bidegain, Julieta Corti Isgro, Carolina De Vega, Mora Sol Diaz, Mercedes Ferrari, Javier Antonio Galeano, Nicolás Guerci, Nayla Jacqueline Kim, Emilia Massacesi, Noelia Meilerman, María Paz Moreno Villanueva, Javier Murphy Figueroa, Jorge Manuel Pallero, Ana Lucía Pellegrini, Lucas Ezequiel Pera, Rodrigo Nicolás Ramírez Gisbert, Anahí Soledad Ríos, José Miguel Rodriguez, Sofía Rypka, Eugenia San Pedro, Christian Gabriel Sibille, María Taglioni, Cristian Damián Tévez, Melina Pilar Veiga, Fernando Andrés Vera y Lola Vera Tavano.

Charlas y Encuentros

Danza, Política y Trabajo
Mesa y espacio de reflexión
Viernes 23 a las 19 hs
Auditorio Abuelas de Plaza de mayo

La mesa propone un intercambio abierto de reflexiones y experiencias de lucha en el terreno de la danza. Militancia política, intervención social y visibilidad del trabajo.

Participan: Carlos Fos, Marina Sarmiento, Julieta Rodríguez Grumberg, Andrea Servera y el Movimiento por la Ley Nacional de Danza, entre otros. Coordina: Juan Ignacio Vallejos.

La danza y lo político: Sujeción y subversión del cuerpo
Charla a cargo de Juan Ignacio Vallejos
Sábado 24 a las 19 hs
Auditorio Abuelas de Plaza de mayo

La presentación propone un recorrido teórico a partir de casos históricos. La danza como dispositivo en la construcción del sujeto moderno. El concepto de coreografía. La obra de danza como intervención política en el espacio público. Los estudios de danza como filosofía de la acción política.

Juan Ignacio Vallejos es Doctor en Historia por la EHESS de Paris. Trabajó como docente en la UBA, la Universidad Nancy 2, la EHESS y el
Centro Nacional de Danza de Francia. Sus artículos han sido publicados en
las revistas Dance Research Journal, Repères – Cahier de danse y Cuadernos Dieciochistas, entre otras. En la actualidad trabaja como Investigador en el CONICET.

Homenaje a Iris Scaccheri (1939-2014)
Jueves 29 a las 20 hs
Auditorio Abuelas de Plaza de mayo

Bailarina, profesora y coreógrafa argentina de gran trascendencia en los años 1970. Con su estilo único, obtuvo notables éxitos en su país y en Europa. Grandes nombres le rinden homenaje con charlas y proyecciones. Participan: Cristina Banegas, Alejandro Cervera, Aurelia Chilleni, Elena Kruk, entre otros.

Fin de Fiesta INTERACTIV: Luis Callegari y Luis Marte
Sábado 1 de julio a las 22 hs
Galería de arte

El ciclo de música INTERACTIV pondrá las últimas notas a este festival Danza Rojas de la mano de dos artistas del sonido que permitirán cerrar la fiesta con el baile de intérpretes, coreógrafos y público.

Escuchá a Luis Callegari acá

Escuchá a Luis Marte acá

Exposición
Cuerpo extremo
Inauguración: Miércoles 21 a las 18 hs
Hasta el lunes 10 de julio
Galería de arte

Esta muestra reflexiona junto a los artistas la potencia erótica, física, sensible y expresiva del cuerpo en la danza y otros territorios de cruzamiento estético filosófico.

Se desarrollan tres ejes: intensidad, expansión, sanación. Estos tres ejes nos permiten explorar en forma placentera, perceptiva y teórica cómo la cultura y la subjetividad artística crean el cuerpo desde sus límites, extremos, bellezas, espíritus heridas y reformulaciones bioestéticas.

Curadora: Fabiana Barreda. Artistas: Andrea Servera, Pablo Rotemberg, Flavia Da Rin, Agustina Sario, Matthieu Perpoint, Dominique Melhem, Marta Lantermo, entre otros.

Formación - Talleres
Talleres gratuitos orientados, o bien a profesionales del mundo de la danza interesados en incursionar en disciplinas más técnicas, o bien a profesionales de la luz, la foto o la escena interesados en el cuerpo, el movimiento o las especificidades más asociadas al universo de la danza:

Iluminación escénica
a cargo de Paula Fraga y Martín Patlis
Miércoles 21 y lunes 26 de junio de 11 a 13 hs
Puesta: Lunes 26 de 13 a 15 hs
Cupo: 25 vacantes
Sala Batato Barea

El taller está orientado a destacar la importancia de la luz en el espacio escénico, pensándola como un intérprete más, capaz de crear ambientes en la escena, cuerpos y movimientos, fundiendo de esta forma la sensibilidad visual con la coreografía.

Requisitos: ser estudiantes o profesionales de la danza. Coreógrafos, asistentes, iluminadores y cualquier persona vinculada a la danza que quiera acercarse al diseño de iluminación escénica.

Paula Fraga es diseñadora y docente de iluminación para artes escénicas. Su formación comprende diversas áreas dentro de la iluminación: teatral, para museos y espacios de arte, locales comerciales, eventos en general. Formada en el Instituto de Arte del Teatro Colón, se dedica al diseño de iluminación en el ámbito de la danza contemporánea.

Martín Patlis es diseñador de iluminación teatral, así como también director de fotografía de cine y docente. Su trayectoria abarca tanto su trabajo como iluminador en diversos teatros de Buenos Aires, como también su experiencia en el diseño lumínico con destacados directores y coreógrafos.

Taller de fotografía en escena
a cargo de Julie Weisz
Jueves 22 y viernes 23 de junio de 11 a 13 hs

Puesta lunes 26 de junio de 13 a 15 hs
Cupo: 15 vacantes
Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo

La fotografía de escena es una expresión captando la vida en un arte en el que la realidad y la ficción están permanentemente en juego. Dirigido a personas con conocimientos de técnica y manejo de cámaras digitales. Desde la teoría y la práctica, se verán las dificultades que presentan los distintos escenarios.

Julie Weisz es fotógrafa. En los 80` se dedicó a la fotografía de teatro. Fotografió Teatro Abierto en 1981, 1982 ,1983 y Fausto de Goethe, con puesta de Augusto Fernandez. Retrató a los actores, directores, autores y personalidades destacadas de la cultura de la época.

Nuevos recursos para puesta en escena: VJ+MAPPING
a cargo de Kayzo 01
Martes 27 de junio y miércoles 28 de junio de 11 a 13 hs
Aula Azul (martes) y Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo (miércoles)

Herramientas para armar y correr el contenido de video mapping para artes escénicas: Criterios a la hora de definir una puesta. Introducción al Resolume Arena. Composición: alineación, estructura de las capas, mezcla, composición de capas. Mapping de Proyección de video.

Kayzo 01 es DJ y artista visual. En 2007 lanzó Visual Dealer, proyecto de experimentación visual. Estudio en Sónica con Vj Sebas Ianizzotto, Hernán Paredes (DJ) y Roberto Massoni (Composición).

Copyright 2017 - Centro Cultural Ricardo Rojas - Corrientes 2038 - Tel: 5285-4800