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Resultados Convocatorias

Resultados de la Convocatoria de Óperas Primas 2017

El jurado de la convocatoria Operas Primas 2017 conformado por Maruja Bustamante, Elisa Carricajo y Pablo Rotenberg , seleccionó las obras que formarán parte del ciclo.

Tanto el Rojas como los integrantes del jurado de la convocatoria agradecemos el alto interés y el profesionalismo en la elaboración de los proyectos postulados.

Los directores premiados son:

Manuela Mendez, por “Amar, Amar, Amar”                
Diego Rosental, (título a definir)
Juan Felipe Villanueva por “Deysi”


Como en ediciones precedentes, se decidió otorgar una mención a una cuarta propuesta que también formará parte de la programación del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas.

Federico Lehmann, por “La última fábula”

Muchas gracias a todos los participantes.

Modalidad: cada función se divide en tres talleres de una hora para 30 personas cada uno. Los chicos deben venir acompañados por un adulto. No es necesario traer Tablet propia.

Talleres: a partir de las 15 hs por orden de inscripción

Inscripción:
Enviar un mail a convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar
Colocar en el asunto: LOT.
Indicar datos personales de los asistentes.
Es posible inscribirse hasta el día anterior de cada función a las 11 hs. El personal del Rojas le indicará el horario de su taller.

Ciro Cavalotti es músico, compositor, productor de bandas sonoras para audiovisuales -publicidad, tv, apps, cine-, productor artístico. Compuso conciertos de campanas y es docente de producción musical.

Ganadores del Premio X Germán Rozenmacher

El Centro Cultural Ricardo Rojas y el 11 Festival Internacional de Buenos Aires anuncian quiénes son los ganadores del X Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia:

Primer premio: El fin, de Giuliana Kiersz.
Segundo premio: El tiempo se detiene, de Facundo Zilberberg.

El jurado de esta décima edición estuvo compuesto por los reconocidos artistas Rubén Szuchmacher, Maruja Bustamante y Mariano Tenconi Blanco, ganador de la edición pasada.

Los ganadores del primer y segundo puesto recibirán un premio en dinero, además de la publicación de sus obras en versión cuatrilingüe (español, inglés, francés y portugués).

La convocatoria del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la UBA y el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires estuvo dirigida a obras inéditas y no estrenadas, en el marco del 11 Festival Internacional de Buenos Aires que se llevará adelante del 5 al 21 de octubre de este año. Los participantes debían ser autores argentinos o extranjeros con 5 años de radicación, que no hubiesen cumplido aún los 36 años de edad a la fecha del cierre de recepción de obras (4 de mayo de 2017).

Sinopsis
¿Qué sucede cuando nuestras matrices de referencia vacilan y caen? ¿Dónde queda uno en ese temblor? ¿Es posible dar cuenta de esa experiencia en una composición escénica? Casa Expandida - nueva pieza de la compañía escénico- vocal EL PULSO, es una crónica cíclica en la que seis intérpretes se aventuran a transitar esa zona inquietante entre un símbolo ya insuficiente y otro por nacer.

Ficha técnica
Idea y dirección:
Jessica Pinkus. Composición de obra: Compañía escénico - vocal EL PULSO. Intérpretes: Ramón Ferreri, Marianela Linsalata, Luz Morcillo, Emilio Pappolla, Rosario Varela, Nadia Villanueva. Composiciones musicales: Emilio Pappolla y Nadia Villanueva. Producción: Compañía escénico vocal EL PULSO - Analía Panigutti. Diseño espacio escenográfico: Leni Mendez. Diseño de vestuario: Paula Taratuto. Asistente de vestuario: Rocío Cilia. Realización de vestuario: Florencia Dawoser. Diseño de luces: David Seiras. Realización de trailer: Carla Vivansen Rivet y Dante Martínez. Ilustración: Nadia Villanueva.

Jessica Pinkus es directora teatral, maestra de canto y psicoanalista. Como directora creó y dirige la compañía escénico-vocal El PULSO. Como docente dicta y dictó cursos y clínicas en diversas instituciones como Estudio Urbano, Centro Cultural Rojas y el Instituto de las Artes UNSAM, entre otras. Como psicoanalista se desempeña en el área clínica y ahonda en conceptos vinculados a la voz y al arte.

La compañía escénico vocal “EL PULSO” es un espacio de experimentación, formación y creación escénica promovido y dirigido por Jessica Pinkus. En su origen se basó en la investigación de las potencialidades de la voz y su poder de componer, en sintonía con otros lenguajes artísticos, una “dramaturgia vocal”. Actualmente se propone pensar, abordar y profundizar un campo escénico capaz de explorar matices de lo humano, a través de la voz, el canto, la música, el cuerpo y la mirada. Integran la compañía cantantes que combinan su formación vocal con otras artes -condición vital para la producción estético-conceptual de sus piezas-.


Resultados Audición Presente Continuo, de Ricky Pashkus

Los seleccionados para formar parte del espectáculo “Desasosegados”, de Ricky Pashkus, son:

Agustín Abelenda
Alicia Staif
Antonella Valese
Antonella Van Kooten
Ayelén Perez De Seta
Carlos Saludes
Claudia Racconte
Gisela Sanguineti
Giuliana Potenza
Guillermo Jauregui
Lucila Osso
Mariano Depiaggi
Melina Lopez
Natalia Pereira Yost
Nora Gonzalez
Patricio Vera
Renato Pinto
Rodolfo Colombo
Sofía Passarelli
Tatiana Bessares
Tiago Mousseaud
Valentina Oms
Yamila Taborda

Muchas gracias a todos los participantes.

Jueves 1
Kobra Kei + Lolo

Kobra Kei (Reconquista, 1989). Se formó en Fundación Universidad del Cine (FUC) como directora de cine, teatro y música. Su música es pop, electrónica, combinados con una estética Kawaii influenciada por el J-pop y el pop occidental. Ritmo repetitivo, melodías y poesías pegadizas, voces cantadas a través de un vocoder. Su primer EP “Romantik” (2015) consta de cinco temas producidos por Ezequiel Araujo, y el single “Sadosummer” producido por Rorri Casas. Este año lanzó su álbum debut “Inspired by The producer”, también producido por Araujo. Grabado en Estudio Siesta del Fauno, fue masterizado por Gustavo Fourcade con la participación de Gonzalo Aloras y Dulcinea Damevin.


Lolo
parece haber llegado de otro planeta. Las etiquetas y los rótulos no aplican en este universo que lo envuelve plasmado de explosividad y posibilidades. Sale del papel del guitarrista de una banda icónica del electro-pop (Miranda) para convertirse en el frontman que siempre estuvo destinado a ser. Su primer disco es “Rodeo Mareado”. Junto a Ezequiel Araujo, su productor, alcanzan un sonido nuevo donde los bajos, las guitarras, los sintetizadores y las programaciones son los protagonistas indiscutidos. Con colaboraciones artísticas de Brenda Asnicar y Kobra Kei, entre otros, el disco está repleto de influencias de distintos estilos que confluyen en una obra pop-modernista en una época de revalorización del género.

Jueves 8
Reflection + No lo soporto

Reflection es está integrado por Franco Doglioli y Franco Colombo. Dentro del tecno pop latino poseen arraigada base synthpop y brindan calidad melódica y vocal, para transportar a su público hacia diferentes ambientes y climas, con sus letras, toques teatrales y cuidados detalles estéticos. Actuaron en Oroya Dreams Festival en Perú en varias ocasiones. En febrero de este año lanzaron “Theorema”, su álbum debut, editado por el sello discográfico ruso ScentAir Records. “Theorema” tiene trece canciones en castellano, una colaboración a dueto con Henrik Iversen, la voz de NamNamBulu, y dos bonus con reversiones en inglés.



No lo Soporto
está actualmente formada por Naila Borensztein en voz, y sintetizador, Lucía Borensztein en batería y coros, Kevin Borensztein en bajo, Gimena Álvarez Cela en sintetizador y coros y Agustín Ferro en guitarras. El otrora trío de rock-pop nació apadrinado por Gustavo Cerati y Luis A. Spinetta. Entre su discografía encontramos: “La diosa salvaje” (EP), “Avión” (2008), “Universo” (2011). “Práctica y teoría” es su último disco de estudio, con mucho Groove.



Jueves 29

Nexus 6 + Richter

NEXUS-6 toma el nombre de los androides del célebre libro de ciencia ficción "Do Androids Dream of Electric Sheep?" de Philip Dick. Así como el libro y la película Blade Runner, el dúo electro-rock integrado por Luz –voz- y Benway -guitarra, programación y voz- es la simbiosis entre máquina y hombre. Con influencias de industrial y electroclash la banda edita su primer EP "Stranger" en 2008 a través de Dirty-Noise Records. Luego editan dos EP más: "Party Doll" y "Too late to tease" en el sello Black Montanas (USA) y tras una serie de cuatro impactantes videoclips lanzan su primer LP "Blinded by Reflections" en 2012.



Richter
es un quinteto electro-rock independiente que fluctúa entre lo futurista y lo retro. En este sonido único, combina Rock, Electrónica, Pop, Punk, Industrial y Synth Pop, que se nutren de la paradoja y la combinación de extremos, desde la fiesta hasta la angustia. Dosis de rabia, bronca, ficción, disconformidad, ironía y un grito rebelde sostienen la ácida lírica que caracteriza a la banda. En sus performances, los límites del escenario son derribados una y otra vez para incorporar al espectador a la misma escena. Discografía: “Epicentro” (2001), “Planetas Planos” (2004), “Danzallamas” (2005), “Fin del Mundo” (2008), “Transformador” (2012), “Transforma2 - Transformador Remixes” (2014). DVD: “Cuentakilómetros (Girando Hasta el Fin del Mundo)” (2011).

El quinteto está integrado por: Zenitram -voz, programaciones, sintetizadores, kaossilator-, John John -guitarras y coros-, Nan -sintetizadores, madbox, nanopad-, Scheller -bajo, voz, programadores, sintetizador- y Paula Perrella -batería y percusión-.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.

Cómo inscribirse:
Vía mail a  convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

1día1
de Juan Jesús Guiraldi
Sábados a las 21 hs
Sala Cancha
Entrada: $40

"Aunque quede ridículo que lo diga (con simplicidad),
uno siempre anda buscando los orígenes: ¡nuestra identidad!"

Osvaldo Soriano

La obra que resulta es un solo de movimiento que transita lugares múltiples, reconstruidos por la memoria y el registro corporal, visual y sonoro de muchas danzas, muchos cuerpos, muchas identidades que devienen UNO. 1DÍA1 es un recorrido autorreferencial, un tránsito por el nombre propio, sus carencias y sus virtudes en relación a los procesos que nos construyen y nos hacen más humanos.

Ficha técnica
Coreógrafo e intérprete:
Juan Jesús Guiraldi. Diseñador de luces: Juan Jesús Guiraldi y Dyana Quecano. Músicos: Andrés Arenas, Kchi Homeless. Vestuario y diseño espacial: Mariela Solari. Gráfica: Pascal Melnick. Producción: Dayanna Quecano

Juan Jesús Guiraldi es bailarín, coreógrafo y director de “Una Constante”. Con formación en danzas folclóricas, ballet, danza contemporánea, danzas urbanas y parkour. Con su compañía “Una Constante”, idea, gestiona y produce el primer "Festival Constante de Danza y Música" en diciembre del años 2014. Durante el 2014, 2015 y 2016 viajó por varios países de Latinoamérica (Chile, Perú, Bolivia, Uruguay y Colombia) al igual que por provincias y ciudades de Argentina (Santa Fe, Formosa, Mendoza, Córdoba, Bahía Blanca, Cipolleti, Morón) con su propuesta de seminarios de danza contemporánea y con su obra.

Cromática
de Camila Florines
Sábados a las 22 hs
Sala Cancha
Entrada: $40

CROMÁTICA es obra una abstracta que nos demanda a nosotros mismos. Transita el entramado de vínculos, roles y obligaciones que nos interpelan. Bucea entre el deseo y el deber ser, entre lo que somos y lo que pretendemos, en la esperanza de aceptarnos y que nos acepten. Sin más, desmenuza la imagen propia del individuo. Queda en el aire la pregunta: ¿cómo aceptarse, si ni siquiera tenemos claro quiénes somos en verdad?

El arte puede transformar el dolor en belleza, ya que ambas, el dolor y la belleza, nos unen al resto de los humanos. Una gama de historias, emociones y colores tienen lugar en la escena, donde la propuesta funde al público dentro del todo, pues en el todo, el dolor individual, duele un poco menos.

Ficha técnica
Coreógrafa:
Camila Florines. Intérpretes: Florencia Alonso, Paz Corinaldesi, Sofia Arevalo, Gonzalo Rojas Hoffens. Asistente de dirección: Florencia Papaleo Yaccuzzi. Vestuario: Mariela Iturregui. Música: Seva Kunja Das. Fotografía: Joaquín Estévez.

Camila Florines Armand Ugon nació en Uruguay en 1994. Egresó de la Escuela Nacional de Danza división Ballet de Montevideo en 2011. En 2015 egresó del taller de danza contemporánea del Teatro San Martin en Buenos Aires del cual egresa. En este periodo ganó dos becas: Programa de Becas Ana Itelman del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín y Beca de Formación “Eduardo Víctor Haedo” otorgado por el MEC (Uruguay). Como intérprete participó en “El lago de los cisnes” del Ballet Nacional Sodre, de la Ópera Eugenio Onegin con dirección de Michal Znaniecki y de”'Site Specific” de Pam Tanowitz, entre otras obras. Colaboró un como asistente de dirección en “Todos contentos” de El descueve y realizó la asistencia de dirección de Damián Malvacio en su obra “Blackout”.

Ficha técnica

Dirección: Virginia Lombardo. Autores: sobre una idea de Virginia Lombardo, escriben: Natalia Alperovich, Daniel Berlfein, Manuel Gonilski, Albana Battellini, Camila Viola, Juan Ignacio Egozcue, Susana Corbani, Susana Grumberg, Silvia Weitzman, Niko Fran, Sabrina Villalba Di Bella, Catalina Victorio Moscatelli, Rodolfo Weisskirch y Virginia Lombardo. Intérpretes: Lía Sala, Lucila Amato, Manuel Gonilski, Albana Balletini, Mauricio Blumetti, Camila Viola, Macarena Jaramillo, Beatriz Gelman, Lara Belén Vernik, María Sabrina Villalba Di Bella, Catalina Victorio Moscatelli, Niko Fran, Susana Corbani, Juan Ignacio Egozcue, Susana Grumberg, Silvia Weitzman, Rodolfo Weisskirch, Mercedes Vergara, Andrea Ríos, Natalia Alperovich, Sebastian Caneva, Silvia Forte, Roxana Scheidegger, María Laura González. Producción: Rodolfo Weisskirch. Vestuario y maquillaje: Carolina D´Elía. Asistencia y sonorización: Martín Jefe. Fotografía: Godofredo Regalado Muñoz. Diseño gráfico: Niko Fran. Música: Javuer Silva Vilas.

Virginia Lombardo cursó estudios en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Trabajó como actriz en cine, teatro y televisión. Directora de teatro y coregie de ópera.Dirige el grupo de teatro de la Facultad de Psicología. Trabajó en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático, cursos particulares de Actuación y en talleres de Montaje de Obras desde 1990 hasta la actualidad. Coordina y da clases en la Escuela de Actuación Gustavo Garzón – Virginia Lombardo y en la UBA.

Anahí Martella es Coordinadora Gral. del área teatro en el CCU-UBA, Egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático en 1981 y formada con varios maestros, entre ellos Agustín Alezzo y Roberto Villanueva, se desempeña como directora y actriz desde 1979.

Ficha técnica
Performance: Paula Baró, Sabrina Cassini, Belén Charpentier, Lucía Deca, Fiorella De Giacomi, Laura Derpic, Martina García, Eva Jarriau, Giuliana Kiersz, Martín Larocca, Nicolás Lodigiani, Santiago Nader, Juan Carlos Prudencio, Nacho Sánchez, Lux Valladolid. Entrenamiento: Fiorella de Giacomi y Lucía Deca. Diseño Gráfico: Nicolás Lodigiani. Fotos: Martina García. Comunicación: Belén Charpentier. Escenografía y vestuario: MARTE. Asesoramiento actoral y coreográfico: Melina Seldes. Iluminación: Rocío Caliri. Música: Nacho Sánchez. Dramaturgia: Paula Baró, Belén Charpentier y Giuliana Kiersz. Ayudante de dirección: Silvina González. Asistencia de dirección: Martina García y María José Schroeder. Dirección: Paula Baró.

MARTE es un colectivo de investigación, formación, gestión y creación de artes escénicas, conformado por un equipo abierto de quince artistas, directores, dramaturgos, actores, productores, investigadores y curadores. Como parte de Club Cultural Matienzo cree en el trabajo colaborativo en red, apuesta a la cultura como lugar de pertenencia y es parte activa de la agrupación ESCENA. Se propone como misión la programación de espectáculos de teatro, danza y performance, el diseño y producción de festivales, la creación de obras propias y el desarrollo de proyectos de artistas-gestores.

En clave de humor Ensayo para una Renuncia (casi un unipersonal) habla de los amores, de la familia, de la amistad y de la responsabilidad para vivir el tiempo que nos toca.

Dirección, música original, diseño de escenografía, vestuario e iluminación: Mariano Moruja. Intérprete: Gerardo Schwartzman. Diseño y realización de Ernesto: Nicolás Casalnuovo. Voces: María Mangone y Eduardo Segal. Procesamiento digital de voz: Sebastián Verea. Realización de escenografía: Nicolás Casalnuovo y Norberto Linares. Asesor en pelo: Alejandro Granado. Asesor en fotografía y edición digital: Andy Goldstein. Impresión de la fotografía. Escuela de Fotografía Creativa- Andy Goldstein. Producción y Producción Ejecutiva: G.S. y M.M. Asistente de producción: Vanina Goldstein Técnico en giras: Brian Ignacio.

Ficha técnica
Cuento original: Dani Umpi & Rodrigo Moraes. Elenco: Emiliano Pandelo, Andrés Granier, Paula Beovide. Pianista: Pablo Viotti. Diseño de vestuario: Emiliano Pandelo. Realización de vestuario: Titi Suárez. Diseño de luces: Martín Patlis y Gustavo Tarrío. Coreografía: Virginia Leanza. Asistente de dirección: Florencia Siaba. Canciones originales: Guadalupe Otheguy, Gustavo Tarrío y Pablo Viotti. Dirección musical: Guadalupe Otheguy. Guión y dirección: Gustavo Tarrío.

Gustavo Tarrío trabajó en sus inicios como cameraman y luego como director y guionista de cine y televisión. Entre sus trabajos más destacados en teatro se cuentan 3ex, Afuera, Kuala Lumpur, Decidí canción, Salir lastimado, Súper, Todo Piola, Esplendor y los films Foto Bonaudi y Una canción coreana.

Dani Umpi es un artista uruguayo. Reside en Montevideo y Buenos Aires. Su trabajo es multidisciplinario y abarca literatura, artes plásticas y música.

Ficha técnica
Con: Marcos López y Monina Bonelli, Analía Couceyro, Rafael Spregelburd y Magda de Santo.

Marcos López es uno de los más importantes fotógrafos de Latinoamérica. Sus obras son puestas en escena, con influencias del cine, de la pintura y de la fotografía documental clásica. Nacido en Santa Fe, en 1982 obtuvo una beca de perfeccionamiento del Fondo Nacional de las Artes y se trasladó a Buenos Aires, donde trabajó en proyectos colectivos con fotógrafos y artistas de otras disciplinas. Colaboró con Expreso Imaginario y El Porteño. En 1989 integró la primera promoción de becarios extranjeros de la Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba, donde realizó documentales en video. Realizó documentales y fue asistente de iluminación y fotógrafo de filmación en largometrajes. Sus fotografías forman parte de las colecciones del Museo Nacional de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en España, la Fundación Daros-Latinamérica en Suiza, Quai Branly, entre otras colecciones públicas y privadas.

Agenda Rojas


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